Después de casi diez años de trabajar como productor y beatmaker, Talo Bravo se lanza en su primera aventura como solista: “Tielbi – En el laboratorio” es un disco que recoge elementos del hip-hop y el soul, pero que definitivamente se abre hacia otras sonoridades. Una propuesta instrumental que, según su creador, resultó luego haber “imaginado cómo podría sonar la música más allá de las nubes”.

Puedes descargar la versión digital de “En el laboratorio” de manera gratuita haciendo click aquí!

“Me comencé a interesar por la música a los catorce años. Lo primero que escuché y que captó mi interés fue Grand Funk y Emerson Lake and Palmer, los sintetizadores y ese lado medio experimental me llamaban mucho la atención. Mi aproximación al rap fue con los amigos del colegio, primero rayando y dibujando en cuadernos hasta que finalmente me sentí muy atraído por las líricas, el cómo se ejecutaban sobre un instrumental loopeado de bombo y caja.”

¿Y rapeabas en esa época?

Sí, mucho. Junto a mis amigos nos encantaba rapear y mezclar el canto soul sobre pistas creadas; pero al pasar los años aprendí y ejercí más la parte de producción hasta convertirme en un beatmaker.

Pasó harto tiempo antes de que te decidieras a armar un disco solista ¿Por qué?

La verdad es que desde mis inicios siempre estuve creando cosas en conjunto, tenía esa necesidad de trabajar en equipo y fue gracias a esto que me di a conocer con DDK y Funky Frescos; fueron muchos años que me sirvieron para ir madurando la idea de lo que quería en un disco solista. Hace unos 5 años atrás hice el primer intento, el proyecto se llamaba “Rapman”, y aunque alcancé a grabar cuatro temas con invitados me di cuenta que lo que estaba saliendo no me llenaba para nada, así que decidí esperarme un tiempito más.

… Hasta ahora…

Claro, finalmente y después de constantes evoluciones decidí lanzarme con un nuevo nombre y otro concepto totalmente renovado: “En el laboratorio”.

Hablemos de tu disco ¿cómo fue el proceso de grabación?

Desde el principio de la elaboración tenía muy claro que quería hacer un disco categóricamente instrumental, hip-hop y experimental. Tenía la necesidad de decir cosas, de hacer sentir cosas a la gente pero sólo a través de la música. El proceso fue muy entretenido y me tomó en total un año y ocho meses. Trabajé de manera muy organizada: ocho meses haciendo maquetas y madurando de a poco los sonidos que estaban presentes en cada tema y que finalmente quedarían titulares. Luego, en “El Yeti producciones” registramos los instrumentos junto a Iván Jara (Guitarra), Nico Errázuriz (Teclado – Talkbox), también algunos sintetizadores con Patricio Adonai , las rimas de Zrszeres y por último los scratches con Dj Veilside y Dj Dzol. Ya con todo el material grabado me dediqué a editar y limpiar, para finalmente junto a al señor Adonai, mezclar y masterizar.

¿Podrías definir estilísticamente la música que hay en el disco?

Como te decía antes, si tuviera que definir mi música sería un nombre con dos apellidos, o sea, “instrumental, hip-hop-experimental”, aunque para muchos el término “experimental” también podría reemplazarse por “electrónico”. Lo instrumental se concretó gracias al aporte de mis amigos músicos, los bombos y cajas secuenciadas dieron vida a la columna hip-hop y por último lo experimental, que apareció gracias a las licencias que me permití al imaginarme como podría sonar la música más allá de las nubes.

Pero en el disco también hay líricas…

Claro, es parte del 10% que quise estampar con letra. Tenía pendiente invitar a mi amigo Zrszeres (Mc) a participar si o si en el disco, específicamente en el track 9, “La fórmula perfecta”; le mandé la música por mail y quedó de inmediato muy entusiasmado en grabar. En el caso del track 8, “Espacio exterior”, quise hablar de un proceso más bien imaginativo: qué pasaría si por el ventanal viera luces acercándose hacia mí.

¿Cuándo fue lanzado el disco y cómo ha sido la respuesta del público?

El disco tuvo su pre lanzamiento el 25 de marzo en “Nave luna”, fue un show bastante familiar y amigable. La producción estuvo muy buena, buen sonido, luces muy bonitas. Lo pasé increíble y lo mismo sentí por parte del público que asistió… Con respecto al disco pasa que mucha gente antes de escucharlo se imagina un disco muy rap, con exceso de líricas, y claro, al oírlo o leer alguna referencia se sorprenden y se interesan mucho más.

¿Cuáles son los planes y proyectos?

El disco para mí es como un hijo y por supuesto que quiero lo mejor para él, quiero difundirlo por todos los medios existentes, quiero hablar de él, comentarlo, que me critiquen, etc… Pero por sobre todo tocarlo en diferentes puntos de Santiago y si se puede también en regiones, eso sería estupendo. En definitiva armar una buena campaña para que la gente sepa de la existencia del álbum y quiera escucharlo. Con Daniel Bostir (diseñador gráfico) nos estamos organizando para la creación de la página enellaboratorio.cl, una plataforma que además de difundir mi música y mis creaciones, servirá para reunir personas que quieran compartir inquietudes, intercambiar bancos de sonidos y aportar con algunos consejos para quienes se inicien en esto.

La versión física de “En el Laboratorio” está disponible en Tienda Bitlove

Visita su página oficial

Lee aqui la segunda parte

Aunque a fines del año `88 Los Caídos en Desgracia se disponían a grabar su primer disco financiado enteramente por un sello multinacional, XP estaba lejos de disfrutar esa especie de torcida de mano que finalmente le hacían al sistema.  El cáncer de Paloma había recrudecido y ambos, ella y XP al presentir que la batalla ya estaba perdida, intentaban pasar la mayor parte de tiempo juntos. Veían antiguas fotos, escuchaban música de distintas épocas que habían ido coleccionando en una enorme cantidad de casetes y se alucinaban leyendo sobre el Compact Disc, un nuevo soporte tecnológico que prometía revolucionar próximamente el mercado

- ¿Pero cómo es eso de que los discos no se van a gastar aunque uno los toque muchas veces? – preguntó Paloma.

- Es lo que intentan explicar aquí ¿ves? “la transmisión de datos no es analógica, es decir no hay contacto físico entre el soporte que contiene la música y el lector que la reproduce.”

PASAJERO EN TRANCE (1989 a 1999)

Paloma falleció en Marzo de 1989 y esa misma semana XP declinó continuar en el programa sabatino que por más de 6 años le había permitido costear la lucha de su mujer en contra del cáncer. El productor general del misceláneo, sentado en su oficina con vista al Cerro San Cristóbal, le entregó el último cheque que le correspondía, le deseó suerte en sus nuevos proyectos y lo despidió amablemente prometiendo que le enviaría a la brevedad una cinta VHS con sus apariciones más memorable, cosa que nunca hizo.

Sólo un par de meses después XP también renunciaba a Los Caídos en Desgracia. No se sentía capaz de continuar en un proyecto que le recordaba permanentemente a Paloma y además algo lo hacía intuir que venían nuevos tiempos, tiempos en los que ya no sería necesario continuar situado fuera del sistema como forma de validar lo que uno tuviera que decir…

Las radios por esos días incluían nuevamente música chilena en su programación, principalmente bandas jóvenes ligadas al pop que, dicho sea de paso, comenzaba a reproducirse cual enfermedad contagiosa por la escena nacional. Rápidamente XP encontró un lugar en este nuevo orden y justo unos días después del histórico triunfo del No en el Plebiscito, entró al estudio junto al resto de su nueva banda, “La Hiel”, a grabar un primer disco. Editaron sólo 500 copias de este material y comenzaron a promocionarse en distintos locales, festivales, colegios y universidades.

En 1992, ya en plena democracia, La Hiel tuvo la oportunidad de grabar un segundo larga duración que fue respaldado por una enorme campaña de marketing. Esta incluyó una asesoría en el look a cada integrante, videos promocionales filmados directamente en cine y un pequeño arreglo cosmético al nombre del grupo: se eliminó la H inicial y la i latina fue reemplazada por una Y griega.

Rebautizados como “La Yel” tuvieron un gran lanzamiento, nunca antes visto en Chile y acto seguido se lanzaron a tocar por cada uno de los escenarios del norte, centro y sur del país. Durante los dos años siguientes vendieron una cantidad de discos suficientes como para que el sello discográfico les renovara el contrato por varios años más y los calificara como artistas prioritarios de la compañía. El `95 un nuevo disco y varias giras a países vecinos. `96 un Ep con 4 canciones y la posibilidad de pasar una temporada larga en México haciendo promoción… Era increíble, pensaba XP mientras el avión aterrizaba en el DF, como habían cambiado las cosas desde la última vez que aterrizara en esa ciudad, veintitantos años atrás. El mercado era otro, la ciudad era otra, el mundo era otro. En Chile las disqueras invertían en artistas nacionales, los mandaban a grabar a Europa, les permitían elegir directores consagrados para hacer sus videos. Había dinero circulando, abundancia, despilfarro incluso. Las radios recibían incentivos por promocionar bandas que recién grababan su primer disco (que para muchas fue el único) y la gente se empezaba a acostumbrar a consumir música chilena.

1997 y 1998 se pasaron literalmente volando. Aeropuerto-avión-hotel-entrevistas-concierto-nuevamente avión y así. Llovían los contratos para promocionar bebidas, papas fritas, cereales, para abrir o cerrar festivales, grabar dúos con artistas mundialmente conocidos, etc. Las fanáticas los esperaban escondidas en los closet de las piezas de hotel, les lanzaban al escenario peluches, calzones y hasta  eran capaces de arrancarse trozos de cabello cada vez que los veían aparecer.  A principios del `99 la banda decidió radicarse definitivamente en EEUU y fue entonces que XP sintió que ya era suficiente. Realizó la última gira junto a sus compañeros por varias ciudades del país del norte y volvió a Chile para intentar vivir en el más apacible de los anonimatos.

Arrendó una pequeña casa en los faldeos cordilleranos de Santiago, donde instaló un pequeño estudio de grabación con la última tecnología digital y se enclaustró por lo que él pensó serían sólo algunos meses.

LARGO VIAJE  (2000 al 2005)

La llegada del nuevo siglo le sirvió a XP para dar vuelta la página, olvidar lo aprendido y comenzar desde cero. La infinidad de software  instalados en su computador, más algunos controladores externos y otros tantos juguetitos electrónicos le abrieron en pocas semanas infinitas posibilidades de creación.  Grabó, mezclo, intervino, cortó y pego audios hasta límites que jamás imaginó. Transformó su respiración en ritmos esponjosos y sincopados, deformó el zumbido de la juguera hasta convertirlo en un susurro. Repitió 3454 veces el crujido de la puerta, al tiempo que lo filtró y le cortó las frecuencias medias. Mezcló la locución invertida de un poema de Neruda sobre otro de Huidobro. Agrego ecos de reverberaciones infinitas al sonido de la lluvia y también vio mucha televisión extranjera. Salió muy poco de su casa.

En febrero de 2001, prácticamente un año después de haber comenzado, el primer disco completamente auto producido por XP,  estaba listo. Lo escuchó un par de veces de principio a fin, abrió una botella de vino y se dispuso a brindar por tan noble tarea cumplida. Estaba en eso, cuando notó que la pantalla de su computador parpadeaba al tiempo que un zumbido muy agudo, casi imperceptible, salía desde los parlantes en forma alternada. Uno primero, el otro después, como un espejo que fue reflejando cada vez con mayor velocidad el sonido hasta que éste se transformó en un haz de luz que duró una fracción de segundos y luego todo se fue a negro. Silencio absoluto.

- ¿Cada cuanto tiempo apagaba usted su equipo? – preguntó el técnico intrigado.

- ¿Apagar? ¿Cómo apagar…?

El computador de XP, después de pasar más de un año encendido, terminó sus días como chatarra en el fondo de la bodega del quinto servicio técnico al cual fue llevado. Del disco duro no fue posible salvar más que ciertos trozos de información con los que XP no pudo rearmar ni el 5% de su ahora extinto primer álbum. La tarde del 16 de febrero se puso pijama, se acostó y permaneció en cama hasta mediados de agosto. Durante esos 6 meses durmió mucho, se comió las uñas, vio televisión y fue secretando su rabia en dosis discretas que lentamente lo fueron sanando.

Lo primero que hizo XP al levantarse, además de tomar una larga ducha, limpiar la casa y guardar la televisión en un closet, fue salir a comprar un nuevo computador más 12 discos duros externos en los que, una vez iniciada la (re)composición de su desaparecido primer álbum, fue respaldando sistemáticamente los avances que día a día iba realizando… Y aunque la lógica nos indica que la tarea de reconstrucción creativa debería haber tomado alrededor de un año, esto no fue así. Se entretuvo XP con nuevos software, actualizaciones de los anteriores y las últimas aplicaciones que semana a semana iban llegando hasta su ordenador vía internet. A través de páginas especializadas conoció a otros cibernautas obsesionados como él con el sonido digital y con ellos compartió desde información sobre psicoacústica hasta las últimas novedades en los catálogos de música islandesa, alemana y japonesa, entre otras. Alucinado con la posibilidad de descargar tanta música a distancia, almacenó  gigas y gigas de sobrepeso que lo obligaron a comprar otros tantos discos duros. Escuchó, analizó, aprendió de estilos y sub estilos, se dejó influir y se permeo en infinitas audiciones reflexivas, recomenzando y redefiniendo cientos de veces su ruta creativa hasta que en abril de 2003, fecha que coincide con la aparición de la primera tienda de música online, cayó en la cuenta de que aún no era capaz de resolver ni la primera canción del disco que alguna vez estuvo terminado. Pidió entonces ayuda a sus amigos cibernautas quienes lo linkearon a decenas de páginas sobre sicología, creatividad, ayuno, cantos chamánicos, electrónica y trascendencia, pero nada logró devolverlo a su centro. Continuó así, perdido entre las millones de URL por otros dos años completos y de pronto, notó que necesitaba anteojos.

Un par de días después, cuando aún no terminaba de acostumbrarse al par de cristales de policarbonato que el oculista le había recetado, XP rescató desde el closet el televisor que algunos años atrás había guardado y al encenderlo hizo un descubrimiento que lo finalmente le devolvió todo el sentido a su trabajo creativo: una mujer de mediana edad, figura no muy agraciada pero sí sonrisa amable, era candidata a presidente de la república y tenía grandes posibilidades de ser elegida

HOMBRE SOLO CAMINANDO

“El sueño de Paloma” estuvo terminado en pocas semanas. Una mezcla de folclore, electrónica y experimentación que dejó a varios de los que tuvieron la oportunidad de escucharlo con la boca abierta. Había en el disco una sensibilidad de cantautor de vieja guardia, pero remozada, reinventada entre beats y loops de notable artesanía que acompañaban guitarras acústicas simples pero muy evocadoras. Todo un aporte, escribirían algunos críticos, un disco imperdible,  dirían otros.

Imposibilitado de editar su obra a través de grandes sellos, prácticamente desparecidos a principios de 2006, XP optó por la autoedición y la posterior distribución a través de algunas tiendas online, una cadena de supermercados y algunos kioscos.  Se vendieron 1300 copias al tiempo que dos sellos europeos licenciaron la distribución en pequeñas cantidades para países como Francia, España  y Holanda.

A mediados del 2006, con una flamante presidenta ya en pleno ejercicio de su cargo, XP inició presentaciones en pequeños bares y algunas salas de concierto de Santiago, Valparaíso y Concepción. Acompañado de su guitarra y un computador fue rápidamente conquistando nuevos públicos que iban cayendo rendidos ante la novedad de su propuesta sonora y la honestidad de sus letras.

El segundo disco apareció a comienzos de 2007 en un formato que a muchos les pareció un suicidio comercial: sin pagar un peso, y con sólo un clic desde la página oficial de XP, era posible descargar las 12 canciones más el arte del disco y un pequeño documental sobre el proceso de grabación. En un par de semanas más de 15 mil personas ya habían bajado el disco y a un mes de los primeros cuatro conciertos de lanzamiento, las entradas se habían agotado.

En Mayo XP partió de gira por algunos países europeos. Volvió en agosto, dio otros tantos conciertos y en octubre se puso a trabajar en un tercer disco que apareció en Abril de 2008. Con excelentes críticas y un público cada vez más incondicional, XP decidió que ya era suficiente: vendió su pequeño estudio, devolvió la casa que lo había alojado por más de 8 años y no sin antes pasar por el Cementerio General a despedirse de Paloma, tomó un avión con rumbo desconocido.

Algunas semanas después su página oficial fue bajada de la web.

Segunda parte de un relato que cruza parte de la historia musical chilena mientras sigue la huella de un músico inventado, inexistente, que es uno y a la vez muchos de los artistas que alguna vez nos ha tocado escuchar.-

Lee aquí la primera parte

EL EXILIO (1973 a 1982)

Sólo 3 días después del golpe militar, Paloma y XP salían raudos de Chile en un vuelo hacia Méjico. No hubo tiempo para despedidas ni nada parecido, apenas alcanzaron a armar una maleta pequeña, dos o tres discos, un par de fotografías y una sensación de entender poco y nada de lo que estaba ocurriendo.

El viaje, la llegada a Méjico a casa de los familiares de unos amigos y el posterior viaje a Alemania, luego de algunas semanas de estadía en el DF, le sirvieron a XP para recobrar en parte la cordura y olvidarse por completo del título de su disco tributo a Paloma. Simplemente dejó de pensar en ello y se concentró en la urgencia de sobrevivir en una ciudad extraña, lejana y bastante exótica si la comparaban con el Santiago de Chile que definitivamente quedaba atrás.

Al igual que otros exiliados que llegaron a la RDA, Paloma y XP se instalaron en Potsdam, ciudad cercana a Berlín que los acogió amablemente en un pequeño departamento de la calle Koroljowstrasse, en el barrio de Am Stern.  A los pocos días de haber llegado y mientras Paloma hacía intentos desesperados por aprender a pronunciar correctamente el nombre de su calle, XP descubrió que en los departamentos vecinos se habían instalado dos familias de compatriotas que tenían entre sus integrantes a tres talentosos músicos aficionados.

Pepe, Roberto y Camilo entablaron rápida amistad con XP y al cabo de un par de meses, luego de realizadas las gestiones necesarias para formalizar algunos permisos, comenzaron a presentarse en un pequeño local al que regularmente concurrían también otros chilenos. La combinación instrumental de charango, guitarra, voces y zampoña rápidamente dio que hablar y fueron llegando, noche a noche, nuevos y entusiastas auditores que a pesar de no entender ni jota lo que decían las canciones, pero embrujados acaso por los ritmos sincopados, la potencia de las cuerdas o el sonido indescriptible de esos tubitos de caña unidos por cordelitos de colores, aplaudían a rabiar al final de cada show. Chilenos, chilenos, chilenos les gritaban mientras levantaban todos juntos, en coordinado movimiento, sus vasos hacia el alto cielo.

Sólo año y medio después de esas primeras presentaciones, a mediados de 1975 para ser precisos, XP, Pepe, Roberto y Camilo partieron de gira por Alemania auspiciados por una importante universidad. Paloma se quedó en Potsdam, intentando aprender el alemán y cuidando a Chile, un gato recogido meses antes y del cual no se separaba ni a sol ni a sombra. Chile comía, dormía y estudiaba junto a Paloma. Chile la esperaba junto a la puerta cuando ella salía de compras a la feria. Chile la confortaba en los momentos de soledad. Chile le hablaba sin palabras y se le acurrucaba en los pies. Chile decía miau y Paloma por un instante volvía a estar en Chile. Era extraño.

A la primera gira por Alemania la siguió una segunda, una tercera, una cuarta y así: comenzaron a recorrer Europa con la bandera chilena al tope, la chapa de exiliados pegada en la frente y el discurso siempre encendido de la izquierda revolucionaria, cuyo sueño truncado por el dictador de anteojos oscuros aún tenía espacio y vida en el arte y la música; ¡compañeros! ¡puño en alto! la esperanza permanece en nuestros corazones, etc, etc, etc… Y aunque no siempre el auditorio hablaba o entendía el español, al parecer eso no revestía mayor importancia pues la popularidad y el reconocimiento seguían aumentando. Discos. Entrevistas en algunas revistas especializadas. Incluso un documental realizado por estudiantes alemanes que los siguieron por más de un año, daban cuenta de un fenómeno que ni XP ni sus compañeros podían explicarse muy bien.  Les llegaban invitaciones de partidos políticos, instituciones no gubernamentales, asociaciones de exiliados y siempre eran recibidos como verdaderos héroes, como si en algún momento, por arte de magia, el campo de batalla se hubiera trasladado desde las lejanas calles de Santiago de Chile a los escenarios del destierro europeo.

A fines de 1979 se le permitió regresar al país a varios exiliados y entre esos nombres aparecieron los de Paloma y XP. Una situación bastante curiosa y que sin duda debía ser producto de algún error administrativo o algo por el estilo, pensaron ambos al tiempo que descorchaban una botella de champaña. Paloma hizo maletas, lloró un par de días antes de entregar al gato Chile a sus vecinos y estuvo lista. No así XP.

- Primero debo cumplir los compromisos que tengo. Pepe, Roberto y Camilo cuentan conmigo.

- Te voy a estar esperando entonces… hay mucho que hacer allá.

Pero en el fondo Paloma sabía que no lo volvería a ver en mucho tiempo. Era duro decirlo, pensarlo al menos, pero el exilio se había convertido en buen negocio para Xp.

Paloma volvió a Chile y XP continuo viajando a punta de trotes nortinos, valses peruanos, cuecas y otros ritmos sincopados. A mediados de 1983 Paloma enfermó gravemente de cáncer y XP decidió que era el momento de regresar. Habló con sus compañeros, vendió alguno de sus instrumentos y se despidió en un íntimo y emotivo concierto que por cierto fue documentado para una cadena de televisión Francesa.

DOBLE VIDA (1983 a 1988)

Al llegar a Chile XP se encontró con un panorama bastante desolador: calles desiertas después de las 10 de la noche, locales cerrados, radios y canales de televisión difundiendo sólo música extranjera y cero, cero interés por parte de los sellos discográficos por editar artistas nacionales.

Paloma lo recibió en un pequeño departamento de la calle Providencia, tercer piso. La enfermedad se la estaba devorando por completo, estaba pálida, muy delgada y con mínimos recursos económicos para costear un tratamiento.  XP comenzó de inmediato a buscar formas de generar dinero. Acudió a antiguos amigos. Visitó lugares que ya no existían. Aplanó las calles, pero nada, nadie. Estaba XP a punto de perder la esperanza cuando una mañana de noviembre recibió la llamada del antiguo manager y productor de Peter de Twist, quien  se había enterado por terceros de su arribo a Chile y le proponía lo siguiente:

Existía en televisión un programa que se transmitía todos los sábados y que por su duración, casi ocho horas al aire ininterrumpidas, necesitaba constantemente cantantes que estuvieran dispuestos a revivir viejos éxitos y que, y esto era fundamental, se prestaran para las constantes bromas y tandeos del animador. Se pagaba por actuación, había que entregar boleta de honorarios y si todo iba bien era posible ser invitado al programa nocturno que el mismo animador tenía después de las noticias.

No había que pensarlo dos veces. XP aceptó de inmediato y a la semana siguiente Peter de Twist ya estaba en televisión, en un pequeño segmento sobre la Nueva Ola que se transmitía alrededor de las 5 de la tarde. Obviamente una de las primeras cosas que el animador hizo fue bromear y reírse a propósito del nombre de Peter, iniciando así una rutina que se repetiría exacta sábado tras sábado durante los años venideros.

-  ¿Y Baila Twist usted? Haber, baile. Qué dice el públicooooo.

Con el dinero que XP comenzó a recibir, Paloma reanudó su tratamiento y por un tiempo pareció estar mejor. Retomaron contacto con algunos antiguos amigos que volvían por esos días al país y fue justamente uno de ellos, quien le comentó a XP que había un grupo de músicos jóvenes que buscaban con desesperación a un bajista para presentarse en pocas semanas en un evento denominado Bienal Underground, organizada por un también joven director de teatro.  A XP le pareció una idea atractiva, se consiguió un bajo y partió a ensayar con la secreta esperanza de que nadie lo fuera a relacionar con el payaso-cantante-del-recuerdo que cada semana debía representar en televisión. Y así fue. Lo recibieron con cervezas y grandes abrazos, le enseñaron las canciones que no representaban mayor dificultad pues se movían siempre entre los mismos 3 acordes y le explicaron que sus verdaderas motivaciones, más allá de la música, era representar la rabia y la impotencia que junto a sus pares experimentaban por esos años.

Punk furioso y sin concesiones. Un despliegue de energía impresionante que de alguna forma le fue devolviendo la dignidad a XP. También a Paloma quien a los pocos días apareció en uno de los ensayos con un par de impresionantes bototos de cuero y un enorme lienzo con el nombre de la banda pintado a mano. “Los Caídos en Desgracia” debutaron tal como estaba presupuestado en un Trolley  (así se llamaba el local) atestado gente. La Bienal Underground no sólo congregaba artistas de todas las disciplinas, también habían ahí jóvenes pandilleros, minorías sexuales y hasta futuros dirigentes políticos, todos dispuestos a celebrar y a protestar en “mitad de la noche más larga”, tal cómo podía leerse en uno de los muro del local.

Después de una exitosa primera presentación, las siguientes mantuvieron la tónica de energía y desenfreno y poco a poco la banda se fue convirtiendo en el ícono de la resistencia musical de esos años. Realizaron grabaciones caseras que corrieron de mano en mano, imprimieron posters que fueron llenando las calles y se mantuvieron siempre firmes en su propuesta, a pesar de las dificultades y la represión. XP continuó apareciendo semana a semana en televisión, enfundado en su traje de colores chillones y luciendo un  par de anteojos oscuros que lo ayudaron hasta el final a disfrazar su doble militancia de la que probablemente muchos se dieron cuenta, muchos que prefirieron no decir nada.

Lee aquí la tercera parte

Dividido en tres, el siguiente relato cruza parte de la historia musical chilena mientras sigue la huella de un músico inventado, inexistente, que es uno y a la vez muchos de los artistas que alguna vez nos ha tocado escuchar.

La historia de XP se inicia en el momento mismo en que el Big Band le da el puntapié inicial a la vida en nuestro universo, varios años atrás por cierto. Comprenderán por tanto que resulta imposible consignar aquí su biografía completa, sería un poco largo, tedioso incluso. Conformémonos entonces con saber que el caballero fue desde siempre un músico de oficio (compositor, cantante, instrumentista múltiple) que atravesó nuestra historia intentando ganarse la vida como tal y que por razones azarosas, que no vale la pena detenerse a explicar, arribó a nuestro país a comienzos del año 1964.

LA IMPORTANCIA DE NO LLAMARSE “XP” (1964 a 1967)

Sólo algunas semanas después de haber llegado, y con las maletas aún sin desarmar, XP fue contactado por un conocido disyokey de Radio Minería, quien además  las oficiaba de productor musical en un importante sello discográfico.  Fue probablemente la apariencia de XP, que encajaba perfectamente en los cánones aspiracionales del ídolo tipo de esos años, lo que impulsó al productor en cuestión a ofrecerle de inmediato un contrato disquero y una ascendente carrera en el mercado musical chileno.

- Me firma ahí sobre la línea punteada y nos  ponemos a trabajar.  

- ¿Dónde? ¿Ahí? 

- Sí, ahí mismo…

 Y en menos de lo que canta un gallo comenzó el meteórico asenso a la fama de XP.

Lo primero fue buscarle un nombre que estuviera a la altura de las necesidades del mercado. XP propuso Excelsior Philleas, pero el distinguido señor productor le hizo ver que aunque el apelativo sonaba sin duda alguna bastante anglosajón, era un tanto complicado de pronunciar y por tanto podía ser difícil de recordar para la fanaticada. Finalmente y después de otras varias ideas fallidas, XP fue rebautizado como “Peter de Twist”. Tal cual, con “de” y no  “the”.

Lo siguiente fue encontrar, en  el repertorio popular estadounidense, alguna canción ya dada de baja por la industria y cuya melodía permitiera una adaptación de la letra al español.  Se escogió  una antigua canción tradicional del sur norteamericano, se le aceleró un poco el pulso, se acortó su duración para que encajara en el formato radial y se le reescribió la siguiente letra: “Verano fue un verano, en que te conocí/ amor de chocolate tuviste para mí/ que rico y delicioso,  por ti me derretí/ verano fue un verano, en que te conocí…”

“Amor de Chocolate” se encumbró rápidamente a los primeros lugares de popularidad. Se editó un disco 45 que traía por un lado la versión que sonaba en las radios y por el otro la misma canción pero sólo acompañada de guitarra (sin duda el antecedente más directo de lo que hoy conocemos como unplugged).  Peter de Twist se presentó en cuanto liceo, gimnasio, teatro y espectáculo radial estuviera disponible, siempre generando histeria y descontrol entre las calcetineras que no dejaban de jurarle amor eterno mientras le lanzaban todo tipo de prendas íntimas. El pasó siguiente fue aparecer en varias revistas del corazón teniendo fugaces noviazgos con otras estrellas, los cuales posteriormente Peter debía negar con una amplia sonrisa y utilizando siempre la misma frase: “mi corazón sólo le pertenece a mis fans, gracias, muchas gracias”. Al cabo de un par de años comenzaron las fotonovelas, giras por provincia junto a otros artistas de características similares y así… A poco andar Peter de Twist era toda una celebridad en el medio nacional.

Pero en el camino, poco a poco, una enorme insatisfacción comenzó a apoderarse de XP (no de Peter por cierto). Sensación que no hizo otra cosa que acrecentarse con el paso de los años, los disco de platino y las portadas de revistas del corazón.  Odiaba su nombre artístico, detestaba a su productor –que dicho sea de paso se llevaba parte importante de las ganancias- y por sobretodo no se sentía capaz de entonar ni una sola vez más la maldita canción que lo había llevado hasta la cima…  En este complejo trance vital se encontraba cuando una tarde, mientras visitaba una colorida feria artesanal se encontró de frente con Paloma Núñez, emancipada estudiante de sociología de la cual se enamoró perdidamente a primera vista y que en menos de dos semanas se convirtió en su polola. O compañera, que era según Paloma la forma correcta y justa de nombrar al ser amado, al alma gemela, a la mujer o al hombre trabajador que recorre junto a nosotros las avenidas de tantas y tantas ciudades en que la miseria de todo un pueblo etc, etc, etc…

PALOMA ¿PALOMITAY? (1968 a 1973).

A los pocos meses de relación, XP y Paloma se fueron a vivir juntos a una pequeña parcela en las afueras de Santiago. XP aprovechó el cambio de domicilio para abandonar definitivamente su carrera de ídolo quinceañero, terminó el contrato con su productor, guardó en una maleta las chaquetas de colores chillones que usaba para sus shows y sepultó definitivamente a Peter de Twist.

Junto a Paloma, comenzaron a frecuentar con bastante regularidad un local llamado La Peña de los Parra. Vieja casona  ubicada en le céntrica calle Merced y en la que XP tuvo la oportunidad de escuchar por primera vez a un tal Patricio Manns, quien a decir de muchos había logrado lo imposible, tres años antes, cuando su canción “Arriba en la Cordillera” se empinara a los primeros lugares del ranking radial desplazando incluso a los plastificados y empalagosos ídolos de la Nueva Ola.

En la Peña de los Parra actuaba también un hombre de mediana edad llamado Víctor Jara. Fue éste cantautor y sus canciones, la pasión que transmitía, lo que hizo germinar en XP la semilla de la sensibilidad social y el arte comprometido.  Cambió su vieja guitarra Stratocaster por un guitarrón de palo, afinó su pluma y se puso de cabeza a componer; siempre en las tardes, después de las cinco, mientras Paloma estudiaba y preparaba sus exámenes.

La celebración del primer año de relación con Paloma marcó un doble hito en la vida de XP. Festejaron esa noche junto a los amigos (léase compañeros) en la casona de Merced y luego de varios jarros vasos de vino navegado, y sin saber muy bien cómo, XP se encontró cantando sobre el escenario algunas de sus primeras canciones… Fue un exitazo (habría dicho su antiguo productor), la gente quedó encantada, lo aplaudieron a rabiar y de inmediato fue invitado a participar como artista estable del local.

A los pocos meses XP grababa su primer disco al alero de la DICAP, sello discográfico creado por las juventudes comunistas y que tenía como objetivo difundir la música que por su contenido político o ideológico no era tomada en cuenta por los sellos multinacionales.

Fueron años intensos para XP. Encuentros de cantautores, colaboraciones con otros artistas, meetings políticos, festivales universitarios (memorables como aquel organizado por la Universidad de Chile en 1969, donde Víctor Jara resultó ganador indiscutido con la canción Plegaria para un Labrador), incluso una gira por varios países latinoamericanos junto a otros destacados músicos. Paloma por su parte congeló su carrera de sociología para dedicarse en cuerpo y alma a apoyar la candidatura presidencial de Salvador Allende y fue quizás esta decisión la que generó en XP una admiración tan profunda por su compañera, que quiso dedicarle no sólo una canción, sino un disco completo. Pensó en titularlo Paloma, pero le pareció un poco evidente y muy común. Paloma mía fue otra posibilidad que también se esfumó pues le resultaba algo incoherente hablar de bienes y propiedades privadas en aquellos convulsionados tiempos. Una mañana de Julio creyó encontrar el nombre perfecto, incluso fue feliz por algunos minutos, pero recordó que el compañero Víctor ya tenía una canción en la que repetía varias veces la palabra Palomitay. Cresta, se dijo a si mismo. Y continúo buscando, incansable.  Ay Paloma sonaba bien, pero tenía un dejo de  queja y malestar que claramente él no quería transmitir. ¿Y si jugaba y daba vueltas  la sílabas? ¿Almapo? ¿Polama? Era interesante lo que ocurría. ¿Malopa? ¿Lamapo?  Casi parecía otro idioma, una lengua inventada especialmente para ella, su musa, su compañera de mil batallas. ¿Paolma quizás?

Entretanto Salvador Allende fue elegido presidente, asumió el poder y comenzó a gobernar en un ambiente álgido de protestas y enfrentamientos. El espectro  político y social se fue radicalizando hasta límites insospechados  y aunque muchos amigos y conocidos de XP le comentaban que la cosa se veía complicada y había que estar atento, él seguía en lo suyo, totalmente obsesionado con encontrar el título adecuado: ¿Malopay? ¿Pamolay?

El 11 de septiembre de 1973 sorprendió a XP encerrado en su pequeño estudio  con miles y miles de hojas y apuntes repartidos por la habitación. Escuchó el histórico discurso de Allende sólo por partes y mientras el país completo se venía abajo, su cabeza continuó haciendo listas infinitas de títulos posibles, probables, todos potenciales pero ninguno a la altura de sus expectativas que a esas alturas volaban más allá de lo que él mismo jamás hubiera imaginado…

Lee aquí la segunda parte

Mientras lees puedes escuchar Profecía Autocumplida

En este momento estoy dedicada completamente a la música. Estudio música en la Universidad Católica y tengo este proyecto junto a mi banda. Antes estudié Medicina China y aunque aún mantengo algo de contacto con eso, lamentablemente ya no es mucho el tiempo que le puedo dedicar.

Leí por ahí que llevas poco tiempo componiendo, que las canciones del disco son las primeras que hiciste y que fueron compuestas, arregladas y grabadas casi de inmediato…

Sí, es verdad que fue bastante rápido, pero yo en realidad no tenía conciencia de eso, porque estaba recién metiéndome en la música entonces no cachaba para nada como eran los tiempos en general. Lo hice así porque sentía que todas esas canciones que quedaron en el disco eran representativas de ese momento de mi vida y que al grabarlas, podía olvidarlas y pasar a otra cosa. Obviamente no es tan así porque uno las sigue tocando por mucho tiempo, pero no son una preocupación tan presente.

Podas y Brotes tiene un carácter bien melancólico, elemento que es común en harta música chilena… En tu música ¿de dónde crees que viene ese rasgo?

Claramente viene de mis experiencias, porque en realidad este disco es mi pura intimidad y debo decir que ese era mi estado de ánimo más preponderante hace algún tiempo.

Parece que a veces es más fácil componer desde la pena, o el dolor…

Creo que depende totalmente de la personalidad o el temperamento de quien compone. Hay gente que jamás va a hablar de su pena profunda en una canción, otras para quienes es su mayor motivación para escribir. No creo que haya algo más fácil, son sólo distintas disposiciones… En mi caso, se me hace muy natural hablar de mi dolor en las canciones, porque es un espacio libre y como encuentro que en la cotidianeidad no es tan fácil hablar de eso, lo canto.

Son largas tus canciones, por momentos las siento como un mantra, un viaje que poco a poco va agarrando vuelo… ¿Es consciente esto de componer en “larga duración”?

No, la verdad es que tuve cero consciencia de la duración al hacer las canciones. Cuando las hice me guié más que nada por lo que necesitaba decir y por el ritmo que intuitivamente me salió. De hecho hubo gente que me sugirió acortarlas para que fueran un poco más “radiales” o “comerciales”, pero me fue imposible acceder a eso. A veces pienso que la gente se puede aburrir de que sean tan largas, pero yo las escucho y me siguen gustando así.

Otra cosa que destaco en tu trabajo es la cotidianeidad de las letras, suenan simples pero a la vez bien profundas…

Las letras son una parte importantísima para mí, porque son el soporte sobre el cual compongo. Tengo que tener algo que decir para componer. A veces recojo extractos de cosas que he escrito anteriormente y las aumento o modifico. A veces salen de un tirón. Pero tengo un rollo con encontrar las palabras justas, como que no puedo cantar algo que no siento, entonces las palabras tienen que ser muy precisas. Esa es mi principal exigencia conmigo misma a la hora de hacer las letras: ser fiel a lo que de verdad quiero decir, nunca poner una palabra sólo porque rima.

En el disco lograste un sonido exquisito, muy acústico… ¿te lo propusiste desde siempre? ¿Qué papel jugó el ingeniero Juan Pablo Quezada (Prabha) en conseguir ese resultado?

El trabajo de Prabha fue el tremendo aporte. Yo tenía cierta idea del sonido que quería, pero evidentemente mi experiencia en grabación era nula, por lo que su participación fue fundamental. Se comprometió ene con el disco y le cachó la onda demasiado bien.

Los músicos con los que actualmente trabajas ¿son amigos? ¿De donde viene la conexión que tienes con ellos?

Nos conocimos cuando empecé a buscar gente para formar la banda. Al Pato Rojas (bajista) lo conocí por un amigo y él me presentó a todos los demás (Mauro López,  José Yañez y Francisco Vives). Ellos también fueron fundamentales en el proceso del disco, porque con ellos hice los arreglos. Son todos secos y en verdad creo que no podría tocar sin ellos.

¿Cómo te ha ido con el disco? ¿Qué feedback has tenido de la gente?

Me ha ido bien, he vendido bastantes discos. A la gente le gusta mucho la música, siempre estoy recibiendo buenos comentarios. Pero como igual el proyecto sigue a un nivel más under todavía, la venta es lenta y la difusión es difícil. A pesar de que han pasado el disco un par de veces en Radio Uno, me gustaría obviamente poder sonar en las radios más regularmente, porque eso ayuda mucho a la difusión. Pero no es tan fácil, así que hay que seguir con el trabajo perseverante de la autogestión.

¿Ya tienes material para un próximo disco? ¿Cómo viene la cosa?

Sí, estamos preparando cosas nuevas y están un poco más eclécticas. Tenemos desde un bolero con letra de mi abuelo, pasando por cosas más parecidas al disco anterior, hasta cosas de frentón más rockeras. No sé que va a pasar, quizás no todo ese material quede en un nuevo disco, pero por ahora lo estamos tocando en vivo y viendo como cuajan, porque igual los temas se demoran en llegar a su forma definitiva.

                                                                                                                                                                           foto: Juan Aguila
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A comienzos de octubre lanzaron “Tan Mal”, un segundo disco que se venía gestando desde fines del 2008. Sobre ese proceso de composición, producción y grabación nos cuentan a continuación, y en primerísima primera persona, el dúo formado por Manu Pinto y Carlos Díaz.

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Manu: “El primer disco cumplió un poco esa regla inconsciente de apuntar hacia muchos lados: buscabamos una identidad musical y que toda la banda se sintiera  interpretada en sus gustos. Pero luego del quiebre como grupo en el 2007 y el alejamiento de dos integrantes nos dimos cuenta con Carlos que coincidíamos mucho en las temáticas y en el cómo queríamos sonar, eso ayudo mucho a que las nuevas canciones tuvieran una evolución importante en cuanto a sonido.”

“En términos de composición, el disco comenzó a gestarse en noviembre del 2008. Teníamos claro que íbamos a rescatar cuatro temas del primer disco puesto que el salto de sonido de este nuevo álbum debía ser muy importante y no queríamos dejar atrás material que valiera la pena, para nosotros este nuevo disco era comenzar de cero después de habernos reestructurado y quedar como dúo.”

“El proceso de composición fue bastante introspectivo, encerrados en el home-studio probando por primera vez la formula de componer como dúo, sacando ideas, grabando y grabando guitarras para luego quedarnos con las armonías que nos entregaban mayor coherencia con lo que deseábamos decir… Queríamos plasmar en nuestras letras un sentimiento que llevaba tiempo con nosotros, una imagen no muy optimista, una sensación de vacío existencial que de alguna manera también veíamos reflejada en el exterior, en el resto de la sociedad. Queríamos canalizar esa visión en nuestras letras pero desde un punto de vista más positivo, dejando abierta la idea de que siempre se puede mejorar, sin perder la fe.”

Carlos: “En cuanto al proceso de producción y grabación, nos pusimos en contacto con dos antiguos profesores de música que conocíamos, el bajista Marcelo Villegas y el baterista Cristian Bidart, les entregamos las maquetas para que fueran masticando las canciones, dándole siempre la libertad de mostrarnos ideas que pudieran aportar a la canción para no perder esa sensación de “banda”. Finalmente nos reunimos con algunas semanas de anticipación para hacer la puesta a punto en la sala de ensayo, para luego entrar al estudio de Grabación.”

“Decidimos grabar toda la base (bajo y batería) los dos primeros días para luego quedarnos nosotros grabando durante los siguientes jornadas el resto de los arreglos junto al equipo del estudio. El lugar escogido fue Estudios Triana donde trabajamos junto al equipo de Chalo González y Pablo Bello; de ellos aprendimos mucho, fueron un gran aporte en la producción de cada canción. Y les estamos muy agradecidos.”

“Creemos que el aspecto técnico fue fundamental en este disco, invertimos en un estudio de calidad con gente 100% dedicada a su trabajo, que fue algo que no tuvimos en el disco anterior; con el primer disco, técnicamente pagamos el noviciado, pero aprendimos la lección.”

“El disco ya se encuentra a la venta a través de la tienda de Suena.cl y estamos viendo si en algunas semanas más lo subimos para su venta digital o finalmente lo entregamos de manera gratuita para descarga por internet.”
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Durante siglos la cosa fue así: si usted quería escuchar música tenía, necesariamente que contar con un grupo de intérpretes capaces de reproducir en sus instrumentos los sonidos en cuestión. No había otra.  Fuera en una sala de conciertos, la plaza de un pueblo o el salón de baile, la música era siempre una práctica colectiva en la que artista y auditor debían coincidir en tiempo y  espacio

Pero hacia el 1900, y gracias al gramófono que permitía fijar los sonidos y luego reproducirlos se comenzó a producir cambio sustancial que poco a poco fue transformando no sólo la relación entre el músico-la obra-y el auditor, sino que además los rasgos y particularidades esenciales de cada uno de ellos.

Por un lado, la música sufrió los efectos industrializantes de su comercialización, pero también cambió la experiencia, la forma de crear y de escucharla.

REC & PLAY

Las técnicas de grabación abrieron nuevas posibilidades expresivas y esto generó amplias discusiones e interesantes tendencias: ¿Qué tan fiel debía ser el registro de una determinada obra? ¿Era posible intervenir la interpretación y, mediante técnicas en el estudio, generar una obra nueva, distinta?

En la música popular fue probablemente el disco Sargent Pepper (The Beatles, 1967), la primera obra concebida exclusivamente como registro y ya no para ser ejecutada en directo. El estudio de grabación se convirtió entonces en un mediador esencial entre músico y auditor, pero también en un agente activo al momento de la creación. Un instrumento más.

Las posibilidades de reproducción llevaron la música desde la sala de conciertos a la cotidianidad, transformándola por momentos en ruido de fondo o en mera compañía de otras actividades. Pensemos en la revolución del walkman durante los `80, un aparato sencillo que permitió musicalizar nuestra vida en movimiento, transformando un sencillo viaje en micro en algo así como nuestro propio video clip (la música re-significando la experiencia individual).

Pero al mismo tiempo, y mientras cada auditor compilaba sus propios discos (luego serían Casetes, CDs, Mp3) basándose en sus gustos e intereses, se generó también un cruce y una transculturación estilística impensada hasta antes de la mitad del siglo pasado. Discos de rock junto a música clásica del 1800, soul norteamericano y mantras hindúes, lo próximo y lo ajeno migrando y transformando no sólo el gusto de quien escuchaba sino también “la mano” de quien componía.

El hip hop es quizás el mejor ejemplo de esta transformación y transculturización permanente; desde Brooklyn a Berlín, pasando por Buenos Aires, Concepción y Tokio, la cultura de la rima y el scratch se ha reinventado y adaptado, fusionando lo ajeno y lo propio en un largo sinfín estilístico, donde las fronteras y las distancias se desdibujaron hace rato ya en la  boca del MC o en las perillas de Dj.

COPY & PASTE

Desde la irrupción de los sintetizadores a principios de los `70, la tecnología ha continuado redefiniendo el sentido y la experiencia musical. No sólo los artistas se han visto beneficiados por las nuevas herramientas expresivas, sino que además el público, la cultura, el consumo, han transformando permanentemente sus gustos, hábitos, aspiraciones y capacidades perceptivas. Veamos:

Desde la irrupcion de la electrónica en el escenario de la música popular (Brian Eno, Kraftwerk,)  no sólo se ampliaron posibilidades timbrísticas de una obra, también, y de manera más profunda, se transformaron los íconos-aspiracionales de la cultura popular: a mediados del los `80, por ejemplo, el Sinth Pop sepulta definitivamente la figura del “Guitar Hero” (Depeche Mode llena estadios a punta de sonidos sintetizados y sin necesidad de largos y destellantes solos). Luego, en los `90, el Dj se convierte en el rey indiscutido, él y sólo él maneja el ritmo y los estilos, él es el dueño absoluto de la mezcla y la remezcla.

¿Qué habría sido de ellos y de la cultura generada a su alrededor sin la irrupción tecnológica? resulta difícil imaginarlo.

Con posterioridad, y gracias al uso del Sampler (dispositivo que permite recortar, copiar y pegar trozos de sonido para transformarlos en otra cosa) asistimos a la transformación definitiva de las obras musicales. Éstas ya no son meramente un texto sonoro para ser leído, por el contrario, están abiertas a la reinterpretación y son a su vez, por decirlo de alguna forma, causa y efecto de si mismas y de nuevas obras que se realimentan en el tiempo.

En esta misma línea, también resulta interesante observar como la proliferación de instrumentos virtuales (manipulados en un computador) ha ido poco a poco invirtiendo el porcentaje de músicos y consumidores pasivos. Cada día hay más y más personas haciendo música desde su escritorio, cada día el acceso a la creación musical se democratiza y por tanto el volumen de obras aumenta de manera exponencial.

¡SOY ELECTRÓNICO!

Nuevos instrumentos han cambiado radicalmente las prácticas de producción sonora, éstas a su vez han generado nuevos estilos los que finalmente, y aquí un nuevo elemento de análisis, han tendido a modificar los parámetros con que apreciamos una obra. De alguna forma, y frente a ciertos tipos de música, hemos aprendido a escuchar distinto. El ejemplo más claro lo encontramos en la música electrónica y en como ésta rompió uno de los ejes paradigmáticos de la música pop:

Melodía
(construída sobre un sistema tonal)
↓
Armonía
(generalmente convencional) 
↓
Ritmo Acompañante
(generalmente regular y acompasado)

-
A través de este eje, y gracias a estos 3 parámetros hemos apreciado, disfrutado y evaluado gran parte de la música que durante muchos años escuchamos. Pero ¿es realmente éste el mapa que utilizamos para movernos en el territorio de la música electrónica?  ¿Cuándo escuchamos música electrónica, esperamos oír una melodía principal construida sobre una armonía tradicional con un ritmo que las acompañe?

Muy por el contrario, en la electrónica el ritmo se vuelve el articulador principal de la obra y puede, como en el caso del break beat y otros estilos, tender a una permanente irregularidad. La armonía por su parte, y si es que la hay, es muchas veces el producto de la superposición de trozos sonoros que no necesariamente tienen una lógica tradicional y mucho menos dan como resultado una sucesión de acordes.  La melodía es también un elemento que puede o no estar presente, a veces con sólo un par de notas repetidas, moduladas y filtradas hasta el infinito lo que dista bastante de las construcciones melódicas tradicionales.

Nadie, a estas alturas del siglo, se sorprende con este tipo de construcciones sonoras, nos puede gustar o no, pero sabemos como enfrentarlas sin perdernos. En otras palabras, tenemos una forma electrónica de escuchar esta música.

Por último, y sin ánimo de profundizar mayormente en este punto, cabe consignar que las nuevas tecnologías han generado, a través de internet fundamentalmente,  nuevos espacios de consumo y difusión, a la vez que una forma distinta de relación entre artistas y su público. Un nuevo paradigma socializador que recién comienza a transformar profundamente nuestra relación con el arte y que quizás en unos años más, sea posible de analizar con la distancia necesaria.

Héctor Aguilar Triviño es sin duda uno de los nombres fundamentales de la electrónica nacional. Junto a Lluvia Ácida, donde comparte junto a Rafael Cheuquelaf, y siempre desde la austral región de Magallanes, viene desarrollando una extensa carrera donde el beat y el uso de maquinas se funden con el rescate de temáticas locales, algo así como un nuevo folclore, pero de alcance universal.

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Aunque nadie en mi familia era músico me crié en un ambiente bastante musical. Mi madre era fanática de la música romántica  de los 70′ (Los angeles negros,Los galos, Raphael) y con mi padre aprendí del folclor argentino (Los de Zuquia, Atahualpa Yupanqui, Cafrune). Gran parte de ese material estaba en vinilo por lo cual resulta lógico mi interés por este formato. Muchos de los antiguos discos de mi familia  ahora están conmigo y más de una de esas sonoridades han sido ocupadas en mis trabajos…  En 1985 aproximadamente comencé a comprar mis propios discos. La oferta musical en Magallanes en ese entonces era bastante rica, existían muy buenas disquerías y como todo niño lo que más me llamaba la atención eran las carátulas;  las primeras que acapararon mi atención fueron las portadas de Iron Maiden y Kraftwerk, bandas que curiosamente marcaron mis influencias musicales de ahí en adelante.

Partiste haciendo música electrónica hace ya muchos años, cuando la mayoría estabamos escuchando grunge… Cuéntame sobre eso.

A principios de los noventa ya pertenecía a una banda Grindeath llamada Infidel y por medio del tape-trading con gente de todo el mundo llegue a la escena del Noise-Industrial. Con algunos amigos del colegio compartía el gusto por estas sonoridades y comenzamos los primeros experimentos caseros. Luego me involucre de lleno en esta escena compartiendo experiencias con la primera oleada de ruidistas sudamericanos (Atrofia cerebral, M.D.A, Vux).

¿Rudistas?

El término “ruidismo” corresponde efectivamente a hacer ruido a través de las maquinas, es un género musical que carece de ritmo y armonía y muchas veces es considerado una contradicción dado que el ruido es generalmente definido como un sonido no deseado o no intencional y, por ende, como lo opuesto a la música.

¿Y cómo fueron esas primeras experiencias musicales con el ruido y la electrónica?

Creaba ambientes industriales con electrodomésticos, el lenguaje de maquinas de viejos computadores sinclair y atari y tomas de estática radial. Lo primero que me llamó la atención de la electrónica fue el beat: ese golpe sintético preciso me voló la cabeza. Ya tenía la experiencia de haber escuchado a Kraftwerk y de haber visto a Electrodomésticos y  Aparato Raro en alguna perfomance televisiva y comencé a cuestionarme como harían estos personajes para crear esos ritmos.  Luego me compré mi primer sampler, un casio sk8 y comencé a adentrarme en el mundo del sampling y la electrónica propiamente tal.

Tanto en tus trabajos solistas como con Lluvia Ácida ¿tienes una forma, un plan o metodología en la composición? ¿Cómo te planteas cada trabajo que inicias? 

Tengo y tenemos distintas formas de enfrentar una composición. Algunas veces hay un concepto que influencia por completo la obra y en otras ocasiones adaptamos improvisaciones o composiciones libres a nuestra temática. En lo particular muchas veces imagino las sonoridades antes de abordarlas en el estudio o me inspiro con el nombre de cada tema, porque suelo tener el nombre del track antes de componerlo. Suelo anotar nombres que me inspiren algo y luego crear en base a esa idea.

Leí en una entrevista junto a Lluvia Ácida en que hablaban de la electrónica como el folclore universal…

Para nosotros la electrónica es una especie de folklor universal, que puede ser adaptado para mostrar las condiciones de vida de un determinado contexto cultural. El formato electrónico ya tiene un lenguaje común global: el beat, el uso de maquinas y la informática musical.

Y en ese contexto ustedes han intentado darle un cierto contenido a su música, un discurso que va más allá de la propuesta sonora…

Sí, es que para nosotros es muy importante que la música tenga algún contenido, un mensaje o una propuesta. El hecho de hacer música por hacer música no nos atrae. Entendemos que la música que perdura, independiente del estilo, es aquella que tiene algo que decir. Nosotros hemos elegido como temática nuestra tierra, Magallanes, porque creemos que existen muchísimas historias que están perdidas en la memoria y el tiempo y que merecen ser contadas. Esto no difiere mucho en lo que yo hago como solista, sólo que yo hago alusiones más abstractas y  evocativas de las experiencias que me han tocado vivir en el Austro.

Desde aquí puedes descargar Polar, proyecto solista de Héctor.

Con respecto a esto mismo, a la música con contenido, con mensaje ¿cómo ves el panorama aquí en chile?

Bastante rico, cada vez más y más músicos entienden que un buen mensaje traspasa los corazones y que tenemos bastante que contar y denunciar en este país. Que es necesario crear identidad y rescatar nuestras raíces musicales.

Ser músico viviendo en lejanas tierras… Cómo ha sido la experiencia en términos de difusión, lugares para tocar, colaboraciones con otros músicos.

Por ser ésta una región aislada del resto del país mis primeras experiencias musicales, de difusión y acercamiento con mis pares obviamente fueron locales. Luego por medio de la correspondencia tradicional y el intercambio de material con gente de otras latitudes pude hacerme de un nombre en la escena ruidista sudamericana y aparecer en algunos fanzines del género. Mis primeras actuaciones fueron como vocalista de Infidel. Con esta banda tocamos un par de veces en Punta Arenas y Puerto Natales. Luego me metí de lleno en Lluvia Acida y comenzamos con Rafael a tocar en Pubs y eventos culturales regionales. Luego llego la apertura comunicacional con el internet y comprendimos que una muy buena forma de crecer como artistas era el intercambio de experiencias y colaboraciones musicales con nuestros pares nacionales. Desde ese entonces hemos logrado cosechar una importante experiencia en  escenarios magallánicos y santiaguinos y concretar conexiones musicales con algunos de los más importantes músicos de la electrónica chilena.

¿En qué medidas crees que el lugar donde uno vive determina el tipo de música que uno hace?

 En total medida .Es imposible, por ejemplo, para un músico de la Patagonia que no le afloren sonoridades ligadas a la vastedad, al viento o al frio. O que a un músico chilote no lo influencien su mitología y el mar. El clima determina en gran medida las sonoridades del mundo.

Durante el mes de noviembre Lluvia Ácida editará  vía Pueblo Nuevo el disco “Cruce de caminos”, un compendio de remixes y colaboraciones, que cuenta con la participación de 25 músicos chilenos, nombres como Gepe, Muza, Dj.Raff, Baradit, Danieto, Mika Martini, Francisco Pinto, Tonossepia y Fiat 600 entre otros.

Visita el sitio oficial de Lluvia Ácida

Compositor, pianista y músico de sesión, Eduardo del Campo no es ningún aparecido; colaborador habitual de diversos músicos y tercio fundamental del trío Urbirama, prepara por estos días lo que será su primer disco solista en el que contará con la participación de Angelo Pierattini y Cristian López.

Si Tú

Con Urbirama editaron un excelente primer disco, “Estas Calles” (2006) ¿En qué está actualmente el proyecto?

Urbirama entró en receso indefinido, y varias de las últimas composiciones que hice para el grupo son las que ahora estoy retomando para mi proyecto solista. Hay canciones que incluso ya habíamos grabado pero que no alcanzaron a ser editadas.

Imagino entonces que hay cierto grado de continuidad en este nuevo trabajo.

En parte sí, pues sigo intentando una búsqueda sonora que resulte interesante, pero al trabajar solo estoy más libre para tomar decisiones y en ese sentido puedo enfocar el trabajo hacia un lado un poco más comercial. Estoy buscando un sonido más crudo, bien vintage.

¿Para cuándo está el disco?

Espero tenerlo lo antes posible, ojala a principios del próximo año. Voy a postular a Sello azul y ver todas las posibilidades factibles, no me cierro a nada por ahora.

Lalo estará presentando un adelanto de su nuevo trabajo este jueves 7 de octubre en el Bar Thelonius (Bombero Núñez 336, Barrio Bellavista) a las 22 horas. Lo acompañarán Cristián Correa en la batería y Ricardo “Ponch” Farias en el bajo.

Si quieres ganarte una entrada para ir a escuchar esta interesante propuesta sólo tienes que dejarnos un comentario con tu nombre completo y mail de contacto.

Visita la página oficial de Lalo

¿Es obligación inscribir una obra para que ésta me pertenezca? ¿Dónde debo inscribir mis obras para que mi derecho de autor esté protegido? ¿Sólo siendo socio de una sociedad de gestión colectiva (SCD en Chile) puedo proteger y administrar mis derechos de autor? ¿Están protegidos  mis derechos de autor en  internet?

Yo soy tu Padre.

Lo primero que es importante aclarar es que para que una obra nos pertenezca, no es indispensable inscribirla en el registro de propiedad intelectual, ya que según la ley estamos amparados por el sólo hecho de haber creado dicha obra. Lo que hace la inscripción es pre-constituirse como un medio de prueba, a favor del autor, en caso de que sea necesario demostrar frente a otros nuestra autoría.

Tener el Derecho de Autor sobre una obra implica dos cosas: por un lado somos poseedores del Derecho Moral, que es intransferible y que dura para siempre; somos los “padres” de esa obra y eso nunca va a cambiar. Por otro lado, y al mismo tiempo,  somos poseedores del  Derecho Patrimonial, que se refiere a la explotación económica, al dinero que la obra pueda generar por conceptos de reproducción o difusión pública; éstos si podemos transferirlos a otras persona y tienen además fecha de vencimiento.

En el caso de las obras musicales, quien posea los Derechos Patrimoniales deberá recibir dinero cada vez que el tema  que le pertenece suene en la Radio, en la TV, en un Pub, una Discoteque, una Película, Cortometraje, etc.  Siendo el  dueño del espacio público donde se difunda esta música, el que deberá pagar por la explotación de la obra.

Para anunciar  la propiedad intelectual de una obra (esté o no inscrita) se utiliza la letra C encerrada en un círculo, ©, junto al nombre del autor más la expresión  “todos los derechos reservados”. Este anuncio garantiza nuestra paternidad sobre la obra y además establece que como autores no renunciamos a ninguno de los derechos que la ley nos confiere; es decir, nuestra obra no puede ser ni copiada, ni alterada, ni usada para fines comerciales, tampoco difundida públicamente.

Quién es Quién.

Para evitar confusiones, muy comunes por lo que me ha tocado ver, es fundamental que entendamos la diferencia entre el Registro de Propiedad Intelectual y la Sociedad de Gestión Colectiva (SCD). El primero es un departamento que nos permite inscribir la “paternidad” de nuestra obra, sólo eso. La SCD por su parte es quien se encargará de administrar y salvaguardar las ganancias que nuestra obra pueda generar, es decir se ocupara de nuestro Derecho Patrimonial. Por la tanto, para ser miembro de la SCD es necesario que nuestra obra esté generando algún dinero por concepto de difusión masiva; de no ser así, inscribirse es un trámite inútil pues es muy probable que la SCD no nos acepte como socios.

Dónde, Cómo y Cuánto ($).

Para inscribir una obra musical a tu nombre, debes ir al Registro de Propiedad Intelectual y entregar dos copias de la letra y la música (en una  partitura con la línea melódica) de cada uno de los temas que quieras registrar. El trámite tiene un costo del 10% de una UTM por cada obra inscrita, es decir, si quieres inscribir las 10 canciones de un disco, el trámite te saldrá aprox. $3.600 X 10; matemáticas básicas: $36.000. También es posible inscribir todo un disco como una sola obra, lo que te permite ahorrar bastante dinero pues sólo tendrías que pagar $3.600. El detalle, en caso de escoger esta alternativa, es que lo que queda inscrito es el nombre del disco y la música que éste contiene, pero no los títulos, por separado, de cada una de las canciones.

Si no sabes escribir música, lo que es fundamental para poder entregar la partitura que te solicitan, puedes contactar a cualquier músico profesional quien, disco en mano, podrá hacer una transcripción de tus canciones. El precio de este tipo de servicios es muy variable, dependiendo de quien haga el trabajo y de la complejidad que tenga la transcripción, pero como referencia yo diría desde $10.000 hacia arriba por cada tema.

Sólo una vez hecho el trámite de inscripción, y si tienes la certeza de que tu obra va a generar ganancias por concepto de difusión masiva, puedes ir hasta la SCD para gestionar tu inscripción como socio. Este trámite no tiene costo alguno y sólo se te solicitará tu carnet de identidad más la carátula del o los discos en los cuales hayas participado como autor.
 
Las Licencias Creative Commons.

Creative Commons es una licencia, es decir un instrumento legal que establece que se puede y que no se puede hacer con una obra. A diferencia de “todos los derechos reservados”, el Creative Commons le da al autor la posibilidad de definir qué derechos quiere conservar y cuáles quiere liberar.  Es un sistema especialmente diseñado para la publicación de obras en Internet y está al alcance directo de cualquier persona; además es muy fácil de utilizar.

Con el CC tú mantienes tus derechos de “paternidad” sobre la obra, pero permites que la gente pueda copiarla y distribuirla según las condiciones que tú elijas;  existen entonces varios tipos de licencias. En Chile son las siguientes:

- Creative Commons, Atribución 2.0: Tu obra puede ser copiada, distribuida, comunicada, ejecutada públicamente. Se pueden hacer obras derivadas de ella. Se debe reconocer y citar la obra de la forma en que tú especifiques.

- Creative Commons Atribución No Comercial 2.0: Tu obra puede ser copiada, distribuida, comunicada, ejecutada públicamente. Se pueden hacer obras derivadas de ella. No se puede utilizar para fines comerciales. Se debe reconocer y citar la obra de la forma en que tú especifiques.

- Creative Commons Atribución No Comercial sin Derivaciones 2.0: Tu obra puede ser copiada, distribuida, comunicada y ejecutada públicamente. No se puede alterar ni transformar ni  hacer obras derivadas. No se puede utilizar para fines comerciales. Se debe reconocer y citar la obra de la forma en que tú especifiques.

- Creative Commons Atribución No Comercial-Licenciar igual 2.0: Tu obra puede ser copiada, distribuida, comunicada y ejecutada públicamente. Se pueden hacer obras derivadas de ella. No se puede utilizar para fines comerciales. Si la obra se altera, transforma, o se genera una obra derivada, sólo se podrá distribuir la obra generada bajo una licencia idéntica a ésta. Es decir, la obra generada tampoco podrá ser utilizada con fines comerciales.

- Creative Commons Atribución sin derivadas: Tu obra puede ser copiada, distribuida, comunicada y ejecutada públicamente. No se puede alterar ni transformar ni  hacer obras derivadas. Se debe reconocer y citar la obra de la forma en que tú especifiques.

- Creative Commons Atribución-Licenciar igual 2.0: Tu obra puede ser copiada, distribuida, comunicada y ejecutada públicamente. Se pueden hacer obras derivadas de ella. Se debe reconocer y citar la obra de la forma en que tú especifiques. Si la obra se altera, transforma, o se genera una obra derivada, sólo se podrá distribuir la obra generada bajo una licencia idéntica a ésta.

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