Después de casi diez años de trabajar como productor y beatmaker, Talo Bravo se lanza en su primera aventura como solista: “Tielbi – En el laboratorio” es un disco que recoge elementos del hip-hop y el soul, pero que definitivamente se abre hacia otras sonoridades. Una propuesta instrumental que, según su creador, resultó luego haber “imaginado cómo podría sonar la música más allá de las nubes”.

Puedes descargar la versión digital de “En el laboratorio” de manera gratuita haciendo click aquí!

“Me comencé a interesar por la música a los catorce años. Lo primero que escuché y que captó mi interés fue Grand Funk y Emerson Lake and Palmer, los sintetizadores y ese lado medio experimental me llamaban mucho la atención. Mi aproximación al rap fue con los amigos del colegio, primero rayando y dibujando en cuadernos hasta que finalmente me sentí muy atraído por las líricas, el cómo se ejecutaban sobre un instrumental loopeado de bombo y caja.”

¿Y rapeabas en esa época?

Sí, mucho. Junto a mis amigos nos encantaba rapear y mezclar el canto soul sobre pistas creadas; pero al pasar los años aprendí y ejercí más la parte de producción hasta convertirme en un beatmaker.

Pasó harto tiempo antes de que te decidieras a armar un disco solista ¿Por qué?

La verdad es que desde mis inicios siempre estuve creando cosas en conjunto, tenía esa necesidad de trabajar en equipo y fue gracias a esto que me di a conocer con DDK y Funky Frescos; fueron muchos años que me sirvieron para ir madurando la idea de lo que quería en un disco solista. Hace unos 5 años atrás hice el primer intento, el proyecto se llamaba “Rapman”, y aunque alcancé a grabar cuatro temas con invitados me di cuenta que lo que estaba saliendo no me llenaba para nada, así que decidí esperarme un tiempito más.

… Hasta ahora…

Claro, finalmente y después de constantes evoluciones decidí lanzarme con un nuevo nombre y otro concepto totalmente renovado: “En el laboratorio”.

Hablemos de tu disco ¿cómo fue el proceso de grabación?

Desde el principio de la elaboración tenía muy claro que quería hacer un disco categóricamente instrumental, hip-hop y experimental. Tenía la necesidad de decir cosas, de hacer sentir cosas a la gente pero sólo a través de la música. El proceso fue muy entretenido y me tomó en total un año y ocho meses. Trabajé de manera muy organizada: ocho meses haciendo maquetas y madurando de a poco los sonidos que estaban presentes en cada tema y que finalmente quedarían titulares. Luego, en “El Yeti producciones” registramos los instrumentos junto a Iván Jara (Guitarra), Nico Errázuriz (Teclado – Talkbox), también algunos sintetizadores con Patricio Adonai , las rimas de Zrszeres y por último los scratches con Dj Veilside y Dj Dzol. Ya con todo el material grabado me dediqué a editar y limpiar, para finalmente junto a al señor Adonai, mezclar y masterizar.

¿Podrías definir estilísticamente la música que hay en el disco?

Como te decía antes, si tuviera que definir mi música sería un nombre con dos apellidos, o sea, “instrumental, hip-hop-experimental”, aunque para muchos el término “experimental” también podría reemplazarse por “electrónico”. Lo instrumental se concretó gracias al aporte de mis amigos músicos, los bombos y cajas secuenciadas dieron vida a la columna hip-hop y por último lo experimental, que apareció gracias a las licencias que me permití al imaginarme como podría sonar la música más allá de las nubes.

Pero en el disco también hay líricas…

Claro, es parte del 10% que quise estampar con letra. Tenía pendiente invitar a mi amigo Zrszeres (Mc) a participar si o si en el disco, específicamente en el track 9, “La fórmula perfecta”; le mandé la música por mail y quedó de inmediato muy entusiasmado en grabar. En el caso del track 8, “Espacio exterior”, quise hablar de un proceso más bien imaginativo: qué pasaría si por el ventanal viera luces acercándose hacia mí.

¿Cuándo fue lanzado el disco y cómo ha sido la respuesta del público?

El disco tuvo su pre lanzamiento el 25 de marzo en “Nave luna”, fue un show bastante familiar y amigable. La producción estuvo muy buena, buen sonido, luces muy bonitas. Lo pasé increíble y lo mismo sentí por parte del público que asistió… Con respecto al disco pasa que mucha gente antes de escucharlo se imagina un disco muy rap, con exceso de líricas, y claro, al oírlo o leer alguna referencia se sorprenden y se interesan mucho más.

¿Cuáles son los planes y proyectos?

El disco para mí es como un hijo y por supuesto que quiero lo mejor para él, quiero difundirlo por todos los medios existentes, quiero hablar de él, comentarlo, que me critiquen, etc… Pero por sobre todo tocarlo en diferentes puntos de Santiago y si se puede también en regiones, eso sería estupendo. En definitiva armar una buena campaña para que la gente sepa de la existencia del álbum y quiera escucharlo. Con Daniel Bostir (diseñador gráfico) nos estamos organizando para la creación de la página enellaboratorio.cl, una plataforma que además de difundir mi música y mis creaciones, servirá para reunir personas que quieran compartir inquietudes, intercambiar bancos de sonidos y aportar con algunos consejos para quienes se inicien en esto.

La versión física de “En el Laboratorio” está disponible en Tienda Bitlove

Visita su página oficial

Talo Bravo, más conocido como Tielbi se encuentra desde Diciembre del pasado año trabajando en su disco debut que llevará como título “En el Laboratorio”, 10 cortes que fusionarán hiphop, breakbeat y electrónica marcando el inicio de una historia que empezó hace ya diez años.

Mientras lees puedes escuchar “Technology in my life”

A pesar de ser su primer disco como solista, Tielbi ya lleva tiempo marcando territorio en esto de los beats; desde el año ’99 que trabaja como productor, MC y cantante, terminando durante estos días este primer proceso en su pequeño estudio casero ubicado en el centro de la capital, que el mismo bautizó homónimamente al álbum.

Entre los variados músicos y amigos que participan en el disco se encuentran Dj Dzol,  Dj Veilside, ZrsZeres y Nicolás Errázuriz trabajando en conjunto para entregar las heterogéneas influencias que conformarán el concepto del elepé, además de un completo equipo técnico que le dará la sonoridad e imagen necesarias al producto final.

“Este será un álbum muy especial para mí ya que expulso todo lo que he aprendido en más de una década como músico y beatmaker; gracias a este material he tenido la posibilidad de conocer y trabajar con mucha gente que me ha ayudado a crecer como persona y profesional.”

Actualmente Talo se encuentra construyendo su Myspace para colgar más información y adelantos, pero por el momento se puede contactar a través de su correo electrónico.

Durante siglos la cosa fue así: si usted quería escuchar música tenía, necesariamente que contar con un grupo de intérpretes capaces de reproducir en sus instrumentos los sonidos en cuestión. No había otra.  Fuera en una sala de conciertos, la plaza de un pueblo o el salón de baile, la música era siempre una práctica colectiva en la que artista y auditor debían coincidir en tiempo y  espacio

Pero hacia el 1900, y gracias al gramófono que permitía fijar los sonidos y luego reproducirlos se comenzó a producir cambio sustancial que poco a poco fue transformando no sólo la relación entre el músico-la obra-y el auditor, sino que además los rasgos y particularidades esenciales de cada uno de ellos.

Por un lado, la música sufrió los efectos industrializantes de su comercialización, pero también cambió la experiencia, la forma de crear y de escucharla.

REC & PLAY

Las técnicas de grabación abrieron nuevas posibilidades expresivas y esto generó amplias discusiones e interesantes tendencias: ¿Qué tan fiel debía ser el registro de una determinada obra? ¿Era posible intervenir la interpretación y, mediante técnicas en el estudio, generar una obra nueva, distinta?

En la música popular fue probablemente el disco Sargent Pepper (The Beatles, 1967), la primera obra concebida exclusivamente como registro y ya no para ser ejecutada en directo. El estudio de grabación se convirtió entonces en un mediador esencial entre músico y auditor, pero también en un agente activo al momento de la creación. Un instrumento más.

Las posibilidades de reproducción llevaron la música desde la sala de conciertos a la cotidianidad, transformándola por momentos en ruido de fondo o en mera compañía de otras actividades. Pensemos en la revolución del walkman durante los `80, un aparato sencillo que permitió musicalizar nuestra vida en movimiento, transformando un sencillo viaje en micro en algo así como nuestro propio video clip (la música re-significando la experiencia individual).

Pero al mismo tiempo, y mientras cada auditor compilaba sus propios discos (luego serían Casetes, CDs, Mp3) basándose en sus gustos e intereses, se generó también un cruce y una transculturación estilística impensada hasta antes de la mitad del siglo pasado. Discos de rock junto a música clásica del 1800, soul norteamericano y mantras hindúes, lo próximo y lo ajeno migrando y transformando no sólo el gusto de quien escuchaba sino también “la mano” de quien componía.

El hip hop es quizás el mejor ejemplo de esta transformación y transculturización permanente; desde Brooklyn a Berlín, pasando por Buenos Aires, Concepción y Tokio, la cultura de la rima y el scratch se ha reinventado y adaptado, fusionando lo ajeno y lo propio en un largo sinfín estilístico, donde las fronteras y las distancias se desdibujaron hace rato ya en la  boca del MC o en las perillas de Dj.

COPY & PASTE

Desde la irrupción de los sintetizadores a principios de los `70, la tecnología ha continuado redefiniendo el sentido y la experiencia musical. No sólo los artistas se han visto beneficiados por las nuevas herramientas expresivas, sino que además el público, la cultura, el consumo, han transformando permanentemente sus gustos, hábitos, aspiraciones y capacidades perceptivas. Veamos:

Desde la irrupcion de la electrónica en el escenario de la música popular (Brian Eno, Kraftwerk,)  no sólo se ampliaron posibilidades timbrísticas de una obra, también, y de manera más profunda, se transformaron los íconos-aspiracionales de la cultura popular: a mediados del los `80, por ejemplo, el Sinth Pop sepulta definitivamente la figura del “Guitar Hero” (Depeche Mode llena estadios a punta de sonidos sintetizados y sin necesidad de largos y destellantes solos). Luego, en los `90, el Dj se convierte en el rey indiscutido, él y sólo él maneja el ritmo y los estilos, él es el dueño absoluto de la mezcla y la remezcla.

¿Qué habría sido de ellos y de la cultura generada a su alrededor sin la irrupción tecnológica? resulta difícil imaginarlo.

Con posterioridad, y gracias al uso del Sampler (dispositivo que permite recortar, copiar y pegar trozos de sonido para transformarlos en otra cosa) asistimos a la transformación definitiva de las obras musicales. Éstas ya no son meramente un texto sonoro para ser leído, por el contrario, están abiertas a la reinterpretación y son a su vez, por decirlo de alguna forma, causa y efecto de si mismas y de nuevas obras que se realimentan en el tiempo.

En esta misma línea, también resulta interesante observar como la proliferación de instrumentos virtuales (manipulados en un computador) ha ido poco a poco invirtiendo el porcentaje de músicos y consumidores pasivos. Cada día hay más y más personas haciendo música desde su escritorio, cada día el acceso a la creación musical se democratiza y por tanto el volumen de obras aumenta de manera exponencial.

¡SOY ELECTRÓNICO!

Nuevos instrumentos han cambiado radicalmente las prácticas de producción sonora, éstas a su vez han generado nuevos estilos los que finalmente, y aquí un nuevo elemento de análisis, han tendido a modificar los parámetros con que apreciamos una obra. De alguna forma, y frente a ciertos tipos de música, hemos aprendido a escuchar distinto. El ejemplo más claro lo encontramos en la música electrónica y en como ésta rompió uno de los ejes paradigmáticos de la música pop:

Melodía
(construída sobre un sistema tonal)
↓
Armonía
(generalmente convencional) 
↓
Ritmo Acompañante
(generalmente regular y acompasado)

-
A través de este eje, y gracias a estos 3 parámetros hemos apreciado, disfrutado y evaluado gran parte de la música que durante muchos años escuchamos. Pero ¿es realmente éste el mapa que utilizamos para movernos en el territorio de la música electrónica?  ¿Cuándo escuchamos música electrónica, esperamos oír una melodía principal construida sobre una armonía tradicional con un ritmo que las acompañe?

Muy por el contrario, en la electrónica el ritmo se vuelve el articulador principal de la obra y puede, como en el caso del break beat y otros estilos, tender a una permanente irregularidad. La armonía por su parte, y si es que la hay, es muchas veces el producto de la superposición de trozos sonoros que no necesariamente tienen una lógica tradicional y mucho menos dan como resultado una sucesión de acordes.  La melodía es también un elemento que puede o no estar presente, a veces con sólo un par de notas repetidas, moduladas y filtradas hasta el infinito lo que dista bastante de las construcciones melódicas tradicionales.

Nadie, a estas alturas del siglo, se sorprende con este tipo de construcciones sonoras, nos puede gustar o no, pero sabemos como enfrentarlas sin perdernos. En otras palabras, tenemos una forma electrónica de escuchar esta música.

Por último, y sin ánimo de profundizar mayormente en este punto, cabe consignar que las nuevas tecnologías han generado, a través de internet fundamentalmente,  nuevos espacios de consumo y difusión, a la vez que una forma distinta de relación entre artistas y su público. Un nuevo paradigma socializador que recién comienza a transformar profundamente nuestra relación con el arte y que quizás en unos años más, sea posible de analizar con la distancia necesaria.

Héctor Aguilar Triviño es sin duda uno de los nombres fundamentales de la electrónica nacional. Junto a Lluvia Ácida, donde comparte junto a Rafael Cheuquelaf, y siempre desde la austral región de Magallanes, viene desarrollando una extensa carrera donde el beat y el uso de maquinas se funden con el rescate de temáticas locales, algo así como un nuevo folclore, pero de alcance universal.

Mientras lees puedes escuchar Noelia

Aunque nadie en mi familia era músico me crié en un ambiente bastante musical. Mi madre era fanática de la música romántica  de los 70′ (Los angeles negros,Los galos, Raphael) y con mi padre aprendí del folclor argentino (Los de Zuquia, Atahualpa Yupanqui, Cafrune). Gran parte de ese material estaba en vinilo por lo cual resulta lógico mi interés por este formato. Muchos de los antiguos discos de mi familia  ahora están conmigo y más de una de esas sonoridades han sido ocupadas en mis trabajos…  En 1985 aproximadamente comencé a comprar mis propios discos. La oferta musical en Magallanes en ese entonces era bastante rica, existían muy buenas disquerías y como todo niño lo que más me llamaba la atención eran las carátulas;  las primeras que acapararon mi atención fueron las portadas de Iron Maiden y Kraftwerk, bandas que curiosamente marcaron mis influencias musicales de ahí en adelante.

Partiste haciendo música electrónica hace ya muchos años, cuando la mayoría estabamos escuchando grunge… Cuéntame sobre eso.

A principios de los noventa ya pertenecía a una banda Grindeath llamada Infidel y por medio del tape-trading con gente de todo el mundo llegue a la escena del Noise-Industrial. Con algunos amigos del colegio compartía el gusto por estas sonoridades y comenzamos los primeros experimentos caseros. Luego me involucre de lleno en esta escena compartiendo experiencias con la primera oleada de ruidistas sudamericanos (Atrofia cerebral, M.D.A, Vux).

¿Rudistas?

El término “ruidismo” corresponde efectivamente a hacer ruido a través de las maquinas, es un género musical que carece de ritmo y armonía y muchas veces es considerado una contradicción dado que el ruido es generalmente definido como un sonido no deseado o no intencional y, por ende, como lo opuesto a la música.

¿Y cómo fueron esas primeras experiencias musicales con el ruido y la electrónica?

Creaba ambientes industriales con electrodomésticos, el lenguaje de maquinas de viejos computadores sinclair y atari y tomas de estática radial. Lo primero que me llamó la atención de la electrónica fue el beat: ese golpe sintético preciso me voló la cabeza. Ya tenía la experiencia de haber escuchado a Kraftwerk y de haber visto a Electrodomésticos y  Aparato Raro en alguna perfomance televisiva y comencé a cuestionarme como harían estos personajes para crear esos ritmos.  Luego me compré mi primer sampler, un casio sk8 y comencé a adentrarme en el mundo del sampling y la electrónica propiamente tal.

Tanto en tus trabajos solistas como con Lluvia Ácida ¿tienes una forma, un plan o metodología en la composición? ¿Cómo te planteas cada trabajo que inicias? 

Tengo y tenemos distintas formas de enfrentar una composición. Algunas veces hay un concepto que influencia por completo la obra y en otras ocasiones adaptamos improvisaciones o composiciones libres a nuestra temática. En lo particular muchas veces imagino las sonoridades antes de abordarlas en el estudio o me inspiro con el nombre de cada tema, porque suelo tener el nombre del track antes de componerlo. Suelo anotar nombres que me inspiren algo y luego crear en base a esa idea.

Leí en una entrevista junto a Lluvia Ácida en que hablaban de la electrónica como el folclore universal…

Para nosotros la electrónica es una especie de folklor universal, que puede ser adaptado para mostrar las condiciones de vida de un determinado contexto cultural. El formato electrónico ya tiene un lenguaje común global: el beat, el uso de maquinas y la informática musical.

Y en ese contexto ustedes han intentado darle un cierto contenido a su música, un discurso que va más allá de la propuesta sonora…

Sí, es que para nosotros es muy importante que la música tenga algún contenido, un mensaje o una propuesta. El hecho de hacer música por hacer música no nos atrae. Entendemos que la música que perdura, independiente del estilo, es aquella que tiene algo que decir. Nosotros hemos elegido como temática nuestra tierra, Magallanes, porque creemos que existen muchísimas historias que están perdidas en la memoria y el tiempo y que merecen ser contadas. Esto no difiere mucho en lo que yo hago como solista, sólo que yo hago alusiones más abstractas y  evocativas de las experiencias que me han tocado vivir en el Austro.

Desde aquí puedes descargar Polar, proyecto solista de Héctor.

Con respecto a esto mismo, a la música con contenido, con mensaje ¿cómo ves el panorama aquí en chile?

Bastante rico, cada vez más y más músicos entienden que un buen mensaje traspasa los corazones y que tenemos bastante que contar y denunciar en este país. Que es necesario crear identidad y rescatar nuestras raíces musicales.

Ser músico viviendo en lejanas tierras… Cómo ha sido la experiencia en términos de difusión, lugares para tocar, colaboraciones con otros músicos.

Por ser ésta una región aislada del resto del país mis primeras experiencias musicales, de difusión y acercamiento con mis pares obviamente fueron locales. Luego por medio de la correspondencia tradicional y el intercambio de material con gente de otras latitudes pude hacerme de un nombre en la escena ruidista sudamericana y aparecer en algunos fanzines del género. Mis primeras actuaciones fueron como vocalista de Infidel. Con esta banda tocamos un par de veces en Punta Arenas y Puerto Natales. Luego me metí de lleno en Lluvia Acida y comenzamos con Rafael a tocar en Pubs y eventos culturales regionales. Luego llego la apertura comunicacional con el internet y comprendimos que una muy buena forma de crecer como artistas era el intercambio de experiencias y colaboraciones musicales con nuestros pares nacionales. Desde ese entonces hemos logrado cosechar una importante experiencia en  escenarios magallánicos y santiaguinos y concretar conexiones musicales con algunos de los más importantes músicos de la electrónica chilena.

¿En qué medidas crees que el lugar donde uno vive determina el tipo de música que uno hace?

 En total medida .Es imposible, por ejemplo, para un músico de la Patagonia que no le afloren sonoridades ligadas a la vastedad, al viento o al frio. O que a un músico chilote no lo influencien su mitología y el mar. El clima determina en gran medida las sonoridades del mundo.

Durante el mes de noviembre Lluvia Ácida editará  vía Pueblo Nuevo el disco “Cruce de caminos”, un compendio de remixes y colaboraciones, que cuenta con la participación de 25 músicos chilenos, nombres como Gepe, Muza, Dj.Raff, Baradit, Danieto, Mika Martini, Francisco Pinto, Tonossepia y Fiat 600 entre otros.

Visita el sitio oficial de Lluvia Ácida

001 records-Eolo records/2010
Producido por Héctor Aguilar, el disco ofrece elegantes temas de hip hop instrumental
tratados en un permanente paso hacia la electrónica y tintes DUB. Descárgalo aquí.