Mientras lees puedes escuchar Profecía Autocumplida

En este momento estoy dedicada completamente a la música. Estudio música en la Universidad Católica y tengo este proyecto junto a mi banda. Antes estudié Medicina China y aunque aún mantengo algo de contacto con eso, lamentablemente ya no es mucho el tiempo que le puedo dedicar.

Leí por ahí que llevas poco tiempo componiendo, que las canciones del disco son las primeras que hiciste y que fueron compuestas, arregladas y grabadas casi de inmediato…

Sí, es verdad que fue bastante rápido, pero yo en realidad no tenía conciencia de eso, porque estaba recién metiéndome en la música entonces no cachaba para nada como eran los tiempos en general. Lo hice así porque sentía que todas esas canciones que quedaron en el disco eran representativas de ese momento de mi vida y que al grabarlas, podía olvidarlas y pasar a otra cosa. Obviamente no es tan así porque uno las sigue tocando por mucho tiempo, pero no son una preocupación tan presente.

Podas y Brotes tiene un carácter bien melancólico, elemento que es común en harta música chilena… En tu música ¿de dónde crees que viene ese rasgo?

Claramente viene de mis experiencias, porque en realidad este disco es mi pura intimidad y debo decir que ese era mi estado de ánimo más preponderante hace algún tiempo.

Parece que a veces es más fácil componer desde la pena, o el dolor…

Creo que depende totalmente de la personalidad o el temperamento de quien compone. Hay gente que jamás va a hablar de su pena profunda en una canción, otras para quienes es su mayor motivación para escribir. No creo que haya algo más fácil, son sólo distintas disposiciones… En mi caso, se me hace muy natural hablar de mi dolor en las canciones, porque es un espacio libre y como encuentro que en la cotidianeidad no es tan fácil hablar de eso, lo canto.

Son largas tus canciones, por momentos las siento como un mantra, un viaje que poco a poco va agarrando vuelo… ¿Es consciente esto de componer en “larga duración”?

No, la verdad es que tuve cero consciencia de la duración al hacer las canciones. Cuando las hice me guié más que nada por lo que necesitaba decir y por el ritmo que intuitivamente me salió. De hecho hubo gente que me sugirió acortarlas para que fueran un poco más “radiales” o “comerciales”, pero me fue imposible acceder a eso. A veces pienso que la gente se puede aburrir de que sean tan largas, pero yo las escucho y me siguen gustando así.

Otra cosa que destaco en tu trabajo es la cotidianeidad de las letras, suenan simples pero a la vez bien profundas…

Las letras son una parte importantísima para mí, porque son el soporte sobre el cual compongo. Tengo que tener algo que decir para componer. A veces recojo extractos de cosas que he escrito anteriormente y las aumento o modifico. A veces salen de un tirón. Pero tengo un rollo con encontrar las palabras justas, como que no puedo cantar algo que no siento, entonces las palabras tienen que ser muy precisas. Esa es mi principal exigencia conmigo misma a la hora de hacer las letras: ser fiel a lo que de verdad quiero decir, nunca poner una palabra sólo porque rima.

En el disco lograste un sonido exquisito, muy acústico… ¿te lo propusiste desde siempre? ¿Qué papel jugó el ingeniero Juan Pablo Quezada (Prabha) en conseguir ese resultado?

El trabajo de Prabha fue el tremendo aporte. Yo tenía cierta idea del sonido que quería, pero evidentemente mi experiencia en grabación era nula, por lo que su participación fue fundamental. Se comprometió ene con el disco y le cachó la onda demasiado bien.

Los músicos con los que actualmente trabajas ¿son amigos? ¿De donde viene la conexión que tienes con ellos?

Nos conocimos cuando empecé a buscar gente para formar la banda. Al Pato Rojas (bajista) lo conocí por un amigo y él me presentó a todos los demás (Mauro López,  José Yañez y Francisco Vives). Ellos también fueron fundamentales en el proceso del disco, porque con ellos hice los arreglos. Son todos secos y en verdad creo que no podría tocar sin ellos.

¿Cómo te ha ido con el disco? ¿Qué feedback has tenido de la gente?

Me ha ido bien, he vendido bastantes discos. A la gente le gusta mucho la música, siempre estoy recibiendo buenos comentarios. Pero como igual el proyecto sigue a un nivel más under todavía, la venta es lenta y la difusión es difícil. A pesar de que han pasado el disco un par de veces en Radio Uno, me gustaría obviamente poder sonar en las radios más regularmente, porque eso ayuda mucho a la difusión. Pero no es tan fácil, así que hay que seguir con el trabajo perseverante de la autogestión.

¿Ya tienes material para un próximo disco? ¿Cómo viene la cosa?

Sí, estamos preparando cosas nuevas y están un poco más eclécticas. Tenemos desde un bolero con letra de mi abuelo, pasando por cosas más parecidas al disco anterior, hasta cosas de frentón más rockeras. No sé que va a pasar, quizás no todo ese material quede en un nuevo disco, pero por ahora lo estamos tocando en vivo y viendo como cuajan, porque igual los temas se demoran en llegar a su forma definitiva.

                                                                                                                                                                           foto: Juan Aguila
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A comienzos de octubre lanzaron “Tan Mal”, un segundo disco que se venía gestando desde fines del 2008. Sobre ese proceso de composición, producción y grabación nos cuentan a continuación, y en primerísima primera persona, el dúo formado por Manu Pinto y Carlos Díaz.

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Manu: “El primer disco cumplió un poco esa regla inconsciente de apuntar hacia muchos lados: buscabamos una identidad musical y que toda la banda se sintiera  interpretada en sus gustos. Pero luego del quiebre como grupo en el 2007 y el alejamiento de dos integrantes nos dimos cuenta con Carlos que coincidíamos mucho en las temáticas y en el cómo queríamos sonar, eso ayudo mucho a que las nuevas canciones tuvieran una evolución importante en cuanto a sonido.”

“En términos de composición, el disco comenzó a gestarse en noviembre del 2008. Teníamos claro que íbamos a rescatar cuatro temas del primer disco puesto que el salto de sonido de este nuevo álbum debía ser muy importante y no queríamos dejar atrás material que valiera la pena, para nosotros este nuevo disco era comenzar de cero después de habernos reestructurado y quedar como dúo.”

“El proceso de composición fue bastante introspectivo, encerrados en el home-studio probando por primera vez la formula de componer como dúo, sacando ideas, grabando y grabando guitarras para luego quedarnos con las armonías que nos entregaban mayor coherencia con lo que deseábamos decir… Queríamos plasmar en nuestras letras un sentimiento que llevaba tiempo con nosotros, una imagen no muy optimista, una sensación de vacío existencial que de alguna manera también veíamos reflejada en el exterior, en el resto de la sociedad. Queríamos canalizar esa visión en nuestras letras pero desde un punto de vista más positivo, dejando abierta la idea de que siempre se puede mejorar, sin perder la fe.”

Carlos: “En cuanto al proceso de producción y grabación, nos pusimos en contacto con dos antiguos profesores de música que conocíamos, el bajista Marcelo Villegas y el baterista Cristian Bidart, les entregamos las maquetas para que fueran masticando las canciones, dándole siempre la libertad de mostrarnos ideas que pudieran aportar a la canción para no perder esa sensación de “banda”. Finalmente nos reunimos con algunas semanas de anticipación para hacer la puesta a punto en la sala de ensayo, para luego entrar al estudio de Grabación.”

“Decidimos grabar toda la base (bajo y batería) los dos primeros días para luego quedarnos nosotros grabando durante los siguientes jornadas el resto de los arreglos junto al equipo del estudio. El lugar escogido fue Estudios Triana donde trabajamos junto al equipo de Chalo González y Pablo Bello; de ellos aprendimos mucho, fueron un gran aporte en la producción de cada canción. Y les estamos muy agradecidos.”

“Creemos que el aspecto técnico fue fundamental en este disco, invertimos en un estudio de calidad con gente 100% dedicada a su trabajo, que fue algo que no tuvimos en el disco anterior; con el primer disco, técnicamente pagamos el noviciado, pero aprendimos la lección.”

“El disco ya se encuentra a la venta a través de la tienda de Suena.cl y estamos viendo si en algunas semanas más lo subimos para su venta digital o finalmente lo entregamos de manera gratuita para descarga por internet.”
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Héctor Aguilar Triviño es sin duda uno de los nombres fundamentales de la electrónica nacional. Junto a Lluvia Ácida, donde comparte junto a Rafael Cheuquelaf, y siempre desde la austral región de Magallanes, viene desarrollando una extensa carrera donde el beat y el uso de maquinas se funden con el rescate de temáticas locales, algo así como un nuevo folclore, pero de alcance universal.

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Aunque nadie en mi familia era músico me crié en un ambiente bastante musical. Mi madre era fanática de la música romántica  de los 70′ (Los angeles negros,Los galos, Raphael) y con mi padre aprendí del folclor argentino (Los de Zuquia, Atahualpa Yupanqui, Cafrune). Gran parte de ese material estaba en vinilo por lo cual resulta lógico mi interés por este formato. Muchos de los antiguos discos de mi familia  ahora están conmigo y más de una de esas sonoridades han sido ocupadas en mis trabajos…  En 1985 aproximadamente comencé a comprar mis propios discos. La oferta musical en Magallanes en ese entonces era bastante rica, existían muy buenas disquerías y como todo niño lo que más me llamaba la atención eran las carátulas;  las primeras que acapararon mi atención fueron las portadas de Iron Maiden y Kraftwerk, bandas que curiosamente marcaron mis influencias musicales de ahí en adelante.

Partiste haciendo música electrónica hace ya muchos años, cuando la mayoría estabamos escuchando grunge… Cuéntame sobre eso.

A principios de los noventa ya pertenecía a una banda Grindeath llamada Infidel y por medio del tape-trading con gente de todo el mundo llegue a la escena del Noise-Industrial. Con algunos amigos del colegio compartía el gusto por estas sonoridades y comenzamos los primeros experimentos caseros. Luego me involucre de lleno en esta escena compartiendo experiencias con la primera oleada de ruidistas sudamericanos (Atrofia cerebral, M.D.A, Vux).

¿Rudistas?

El término “ruidismo” corresponde efectivamente a hacer ruido a través de las maquinas, es un género musical que carece de ritmo y armonía y muchas veces es considerado una contradicción dado que el ruido es generalmente definido como un sonido no deseado o no intencional y, por ende, como lo opuesto a la música.

¿Y cómo fueron esas primeras experiencias musicales con el ruido y la electrónica?

Creaba ambientes industriales con electrodomésticos, el lenguaje de maquinas de viejos computadores sinclair y atari y tomas de estática radial. Lo primero que me llamó la atención de la electrónica fue el beat: ese golpe sintético preciso me voló la cabeza. Ya tenía la experiencia de haber escuchado a Kraftwerk y de haber visto a Electrodomésticos y  Aparato Raro en alguna perfomance televisiva y comencé a cuestionarme como harían estos personajes para crear esos ritmos.  Luego me compré mi primer sampler, un casio sk8 y comencé a adentrarme en el mundo del sampling y la electrónica propiamente tal.

Tanto en tus trabajos solistas como con Lluvia Ácida ¿tienes una forma, un plan o metodología en la composición? ¿Cómo te planteas cada trabajo que inicias? 

Tengo y tenemos distintas formas de enfrentar una composición. Algunas veces hay un concepto que influencia por completo la obra y en otras ocasiones adaptamos improvisaciones o composiciones libres a nuestra temática. En lo particular muchas veces imagino las sonoridades antes de abordarlas en el estudio o me inspiro con el nombre de cada tema, porque suelo tener el nombre del track antes de componerlo. Suelo anotar nombres que me inspiren algo y luego crear en base a esa idea.

Leí en una entrevista junto a Lluvia Ácida en que hablaban de la electrónica como el folclore universal…

Para nosotros la electrónica es una especie de folklor universal, que puede ser adaptado para mostrar las condiciones de vida de un determinado contexto cultural. El formato electrónico ya tiene un lenguaje común global: el beat, el uso de maquinas y la informática musical.

Y en ese contexto ustedes han intentado darle un cierto contenido a su música, un discurso que va más allá de la propuesta sonora…

Sí, es que para nosotros es muy importante que la música tenga algún contenido, un mensaje o una propuesta. El hecho de hacer música por hacer música no nos atrae. Entendemos que la música que perdura, independiente del estilo, es aquella que tiene algo que decir. Nosotros hemos elegido como temática nuestra tierra, Magallanes, porque creemos que existen muchísimas historias que están perdidas en la memoria y el tiempo y que merecen ser contadas. Esto no difiere mucho en lo que yo hago como solista, sólo que yo hago alusiones más abstractas y  evocativas de las experiencias que me han tocado vivir en el Austro.

Desde aquí puedes descargar Polar, proyecto solista de Héctor.

Con respecto a esto mismo, a la música con contenido, con mensaje ¿cómo ves el panorama aquí en chile?

Bastante rico, cada vez más y más músicos entienden que un buen mensaje traspasa los corazones y que tenemos bastante que contar y denunciar en este país. Que es necesario crear identidad y rescatar nuestras raíces musicales.

Ser músico viviendo en lejanas tierras… Cómo ha sido la experiencia en términos de difusión, lugares para tocar, colaboraciones con otros músicos.

Por ser ésta una región aislada del resto del país mis primeras experiencias musicales, de difusión y acercamiento con mis pares obviamente fueron locales. Luego por medio de la correspondencia tradicional y el intercambio de material con gente de otras latitudes pude hacerme de un nombre en la escena ruidista sudamericana y aparecer en algunos fanzines del género. Mis primeras actuaciones fueron como vocalista de Infidel. Con esta banda tocamos un par de veces en Punta Arenas y Puerto Natales. Luego me metí de lleno en Lluvia Acida y comenzamos con Rafael a tocar en Pubs y eventos culturales regionales. Luego llego la apertura comunicacional con el internet y comprendimos que una muy buena forma de crecer como artistas era el intercambio de experiencias y colaboraciones musicales con nuestros pares nacionales. Desde ese entonces hemos logrado cosechar una importante experiencia en  escenarios magallánicos y santiaguinos y concretar conexiones musicales con algunos de los más importantes músicos de la electrónica chilena.

¿En qué medidas crees que el lugar donde uno vive determina el tipo de música que uno hace?

 En total medida .Es imposible, por ejemplo, para un músico de la Patagonia que no le afloren sonoridades ligadas a la vastedad, al viento o al frio. O que a un músico chilote no lo influencien su mitología y el mar. El clima determina en gran medida las sonoridades del mundo.

Durante el mes de noviembre Lluvia Ácida editará  vía Pueblo Nuevo el disco “Cruce de caminos”, un compendio de remixes y colaboraciones, que cuenta con la participación de 25 músicos chilenos, nombres como Gepe, Muza, Dj.Raff, Baradit, Danieto, Mika Martini, Francisco Pinto, Tonossepia y Fiat 600 entre otros.

Visita el sitio oficial de Lluvia Ácida

“Por  Puro Amor al Rap” es el reciente trabajo de este consagrado Mc nacional.  Junto a colaboraciones de Vitami, Bronko Yotte, Nick Calaveras y Juan Sativo, entre muchos otros, el ex Némesis en entrevista exclusiva con Bitlove.cl, cuenta qué lo inspiró a grabar este disco y de paso, analiza la realidad del Hip Hop chileno. “Deje un poco al lado a mis amigos y cómplices de siempre por buscar talentos nuevos más enfocado a lo clásico”, afirma.   

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Tu nuevo disco deja atrás los sonidos más electrónicos y retoma los beats más duros en una clara vuelta a las raíces.  ¿Cuál fue el foco de  inspiración al momento de plantearte el trabajo?

El concepto es el que da el nombre al disco. La idea surgió del productor ejecutivo del disco: Rulo the Kid, quien me propuso hacer un disco que fuese una vuelta a mis raíces, tanto a nivel musical como conceptual y evidentemente humano, llevando a reclutar a distintos exponentes de la escena under para colaborar en los temas.

Hay momentos del disco en que vuelves a ritmos más duros y a un estilo más clásico de rapeo… ¿Qué te motivó a esto?

Siempre me ha gustado el rap más duro, lo exploramos junto a Cenzi en Némesis y con MC Nauck en temas como Huye. Creo que las bases más raperas me hacen fluir mejor las rimas.

Ya que hablas de las bases… escuchamos algunos sonidos o loops menos electrónicos y más rítmicos… ¿Cómo influyeron los productores y Mc´s que trabajaron contigo en la  idea o concepto que querías personalmente reflejar en el disco?

La selección de los productores fue justamente para volver al sonido rap más puro. No tan experimental. Por eso deje un poco al lado a mis amigos y cómplices de siempre por buscar talentos nuevos más enfocados a lo clásico. Suena ambivalente, pero es lo que ha sucedido, muchos de los beatmakers nueva escuela suenan más al sonido noventero que buscaba, que los que llevan más tiempo que han evolucionado a sonoridades más electrónicas.

¿Cuáles son las expectativas con este nuevo álbum?

Como en cualquier disco que he sacado, llegar a la mayor diversidad de personas, y poder difundir el arte, básicamente, para mí un disco es un soporte para que la gente se conecte con tu arte más íntimamente, ya que lo más bien, un músico podría sólo presentarse en vivo.

El escribir de amor, de vivir en” Free your mind”, y de “…surfear por el rap…” ¿Tiene directa relación con el momento que vives en tu vida personal?

De todas maneras. Para mí el rap es un relajo, cuando lo hago es el momento en que me siento más libre, creo que la fama, la cual ya probé, no es para nada digna de un fin, pero el éxito en cambio, llega si haces las cosas con pasión.

¿Cuál fue la motivación que tuviste para re-editar ¨Cuerpo y Alma¨? y  ¿Cómo llegó  Nick Calaveras  como productor a la reedición de este team?…ya un clásico del rap chileno.

Bueno, la idea vino de él, como algo ajeno al disco, como Nick estaba ya trabajando con Juan Sativo para La Receta, me propuso rehacer el tema y aprovechar ahí de grabar a Juan. Yo accedí, primero por simple amor al rap, luego se me ocurrió ponerlo como bonus track. Nick conversó además con DJ Manuvers para que cooperará en la producción.

“En cada paso que doy estoy más expuesto”

Después de que Seo nos respondiera en detalle ciertas características del disco, quisimos preguntarle de Chile, de la actualidad del rap y de su evolución en la escena nacional. Para él, hay una visión positiva, cree en las nuevas generaciones y asegura que falta profesionalismo en lo que a difusión concierne.

Si tuvieras que hacer una selección del Rap o mejor dicho, un equipo de fútbol de 7 jugadores ¿Quiénes irían de titulares?

Tomando en cuenta que yo soy el coach, tendría que buscar no sólo talento, si no también gente con la que tenga buena comunicación y llegada. MC Unabez, MC Nauck, Gran Rah, Origenbeats, Ceaese, Jonas Sánchez e Insano”.

¿Qué opinas de lo que están haciendo grupos como Movimiento Original y Sinsimil Mc´s?

Son grupos súper pro en lo que hacen, dignos de admiración y respeto, si bien mi gusto musical se inclina más al lado de Sinsimil MC’s, el trabajo de Movimiento Original y cómo han escalado mediáticamente, es algo que uno tiene que observar y analizar para aprender.

Teniendo en cuenta la globalización, las redes sociales y la cada vez más nula relación tiempo /distancia ¿Por qué a los grupos de Rap chileno les cuesta tanto llegar al extranjero?

Creo que el rapero en general es localista, las temáticas que tenemos los raperos chilenos no son exportables, el lenguaje tampoco, tanto chilenismo nos juega en contra. Lo otro, y es un punto esencial, es que la mayoría de los raperos no se cree el cuento al momento de marketearse, y no siempre hace del rap un trabajo profesional.

¿Cuál es la diferencia de subirse hoy a un escenario que hace 5 años? ¿Quizás ese síndrome de abstinencia d sobre el que rapeas en el disco?

El síndrome de abstinencia es claramente la angustia que uno tiene cuando se aleja demasiado de la tarima o del estudio. Subirme a rapear ahora tiene una connotación distinta, a cada paso que doy estoy más expuesto y soy más juzgado, pero el placer de hacerlo sigue siendo el mismo.

Como una de las figuras consolidadas del Hip Hop chileno ¿Cuál ha sido tú aporte a esta cultura?

Creo que el haber consolidado un movimiento con un lenguaje más transversal y haber traído profesionalismo al rapero chileno.

¿East Coast, West Coast o eso ya no existe?

Eso no es algo que me identifique, me gusta el rap en todas sus formas.

¿Ha cambiado el Hip Hop chileno de 5 años hasta hoy?

La movida está en constante mutación, hoy hay más grupos que llenan locales, hay más locales que llevan grupos, hay más público, pero también hay más competencia. Creo que eso nos permite superarnos y buscar cada vez formas más originales en cuanto al flow y al contenido.

¿Qué crees que ha pasado con aquello grupos insignes que abrieron las puertas del rap nacional?

Está claro que son pocos los que han sobrevivido al pasar del tiempo, a lo ingrato que es el medio, no sólo en el rap, si no que en la escena musical en Chile. El hecho que pocos se puedan dedicar 100% a esto, hace que existan roces por factores muchas veces externos a los grupos. Creo que todos han aportado su grano de arena y han puesto su piedra para que el hip hop crezca. Ahora es el turno de los nuevos de hacerse cargo y seguir construyendo.

¿Cuáles son tus tres canciones preferidas de este nuevo disco?

Son definitivamente más de tres, pero ya que lo preguntas: Síndrome de Abstinencia, Lo Nuevo Lo Bueno y Por puro amor al rap”.

¿Próximas presentaciones?

El 6 de octubre estaré en un evento de Elige Educar, el 8 en Viña del Mar, el 16 en Centro Cultural Amanda, el 23 en Kiri Club, el 4 de noviembre de nuevo Elige Educar, el 6 de noviembre en Club Morandé y el 20 de noviembre en SCD del Plaza Vespucio, donde pretendo presentar el nuevo disco en su totalidad.

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La música de Jarque es contemplación, melancolía,  belleza sobrecogedora que se mueve desde las sombras hasta la luz en un viaje del que ya muchos nos hemos hecho parte desde que en 2007 editara su primer trabajo solista “Monstruos bajo la cama”. Hoy, a punto de terminar el segundo disco junto a su banda Inverness, el músico se detiene un momento y echa a andar en esta entrevista los mecanismos de su memoria…

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Fue una mañana de 1986 en la ciudad de Bonn, Alemania, al entrar a hurtadillas a la sala de música de la escuela que vi por primera vez un glockenspiel…  yo era un niño de naturaleza solitaria, venía de vivir en la Patagonia, había perdido a mis amigos, súmale a eso el estar en un país del que no sabes muy bien el idioma, pero cuando toqué ese instrumento algo en mí se acomodó, como una pieza suelta. Comencé entonces a participar en el coro escolar tocando el glockenspiel y cantando. Me acuerdo que montamos una obra infantil muy oscura que se llamaba “Der Struwwelpeter”. Mi profesor de música era italiano-alemán y fue la primera persona que recuerdo relacionada con la música que me enseñó algo. Nos hacía escuchar Vivaldi, las Cuatro Estaciones y mucho Bach. A mí me cargaban. Para mí la música tenía más que ver con pasar tiempo en esa sala sin que nadie me molestara que con la música en sí misma.

¿Recuerdas en qué momento comenzaste a componer?

No tengo muchos recuerdos claros con respecto a eso. Pero fue muchos años después, cuando ya había vuelto a Chile. Mi hermana participaba en el coro del colegio aquí y tenía una guitarra clásica. En ese tiempo, siempre relacioné la guitarra con las canciones que tocaba mi hermana en el coro, ‘El cóndor pasa’ o ese tipo de cancionero aburrido de colegio que hasta el día de hoy los niños tienen que sufrir. No fue sino hasta que mi hermano mayor tomó esa guitarra y empezó a tocar Led Zeppelin y los Rolling Stones que me di cuenta que con la guitarra se podían hacer otras cosas. Yo tenía 12 años. Me interesaban más los flipper, leer. Era bien nerd. Escribía cuentos y hacía mapas. Y dibujaba mucho. Nunca salía. Mis papás se preocupaban mucho por mi nula vida social. Pero yo era feliz. No necesitaba nada más. No sé por qué un día me dio por agarrar la guitarra y empezar a tocar. Quizás para impresionar a alguna compañera. Le pedí a mi hermano que me ayudara y me enseñó ‘Satisfaction’, después ‘Stairway to heaven’ y después unas de The Cure.  Un par de años después, empecé a escribir canciones. Recuerdo que como a los 16 hice una en guitarra, muy compleja, tipo Bach. Tengo que haber tenido muchas ideas raras dando vueltas en la cabeza.
 
Al escuchar tu primer trabajo solista (“Monstruos bajo la cama”) y luego “Illuminaciones”, el debut de Inverness, siento claramente una conexión: hay cierta melancolía, una forma de plantearse bien contemplativa…

Mis primeros recuerdos vívidos son de Punta Arenas, del Estrecho de Magallanes, de los faros en los que mi abuelo servía como guarda faros y en donde mi papá se crió en los ’40. Creo que todo lo que he hecho siempre ha estado determinado por el lugar del que vengo y en el que crecí. Crecer allá es bastante parecido a decir que creciste en Marte o el Polo Norte. En ese sentido pienso que mi historia me  ha “obligado” a ser un poco más para dentro, aunque en términos generales me considero un tipo alegre. Además pienso que casi toda la música que más me gusta, y los libros que más me han marcado y las películas que más he visto, todos comparten ese rasgo de belleza que viene de un estado parecido a la melancolía.

¿Música “triste”?

Mucha gente le llama así. Y aunque me encantaría poder hacer música bailable y ondera, sé que ese no sería yo. Las veces que lo hecho, he tenido que enajenarme y convertirme en otro. La verdad nunca me he sentido muy conectado con eso y tampoco es muy honesto. Es como pegarse una puñalada por la espalda.

En tu primer disco hay una sensación algo oscura, y que al parecer tiene que ver directamente con algún proceso vital en el que estuviste mientras componías ese trabajo.

“Monstruos bajo la cama” corresponde a una etapa en la que estuve muy solo, una etapa en la que me aislé bastante. Me era sumamente necesario aislarme y ver las cosas con cierta distancia. A veces me da un poco de pudor volver a escuchar ese disco y pensar en la gente que lo ha escuchado. Hay versos muy personales y cosas que escribí de manera bastante directa.  Fue un disco que me obligó a una especie de proceso personal y eso se nota en las letras.

¿La música como un espejo?

Claro, creo que las buenas obras de arte deben tener que ver con los procesos vitales de aquellas personas que las hacen. De lo contrario, el arte sería una aberración, una especie de producto en serie. “Monstruos…” tenía mucho que ver con lo que pasaba conmigo en ese tiempo, con muchos temores e inseguridades. Y la música me sirvió para hacerles frente. La música siempre me ha ayudado a enfrentar mis temores, a superar etapas. Es la razón por la que escribo canciones.

¿Y se dio un proceso parecido con “Illuminaciones”?

“Illuminaciones”, como disco, representa una etapa más estable, en la que me interesaba más reflexionar sobre algunas cosas alrededor mío y con algunas etapas de mi niñez. Un amigo una vez me dijo que “Monstruos” era una reflexión contemplativa y que “Illuminaciones” era una contemplación reflexiva. Aún trato de entender qué quiso decirme. 

¿Cómo fue ir desde el trabajo en solitario a la creación grupal que tienes hoy con Inverness?

Fue necesario. Más que nada porque me era muy difícil tocar solo. Siempre me he sentido mejor como parte de algo que como solista. No soy solista. La etapa de “Monstruos” se dio por una razón de fuerza, de necesidad. En Inverness sigo escribiendo las canciones, pero lo bueno que tiene estar en una banda es que logras perspectiva con respecto a lo que haces. Tienes la posibilidad de ampliar tus colores con los de otras tres personas. Es enriquecedor. Y también un ejercicio contra el ego. No siempre voy a tener la mejor idea para una determinada canción. A veces, los otros Inverness me sorprenden con sus sugerencias y críticas que son exactas y de gran valor para mí. Soy un músico que se completa en los otros. Aunque siempre estoy haciendo canciones y pueda sacar un disco solo, mi medio ideal siempre será el de una banda. Además se pasa mucho mejor. Nos reímos mucho de todo. Y eso es sano.

En relación a tus dos discos: ¿quedaste conforme con los resultados?  

Siempre hay pequeños detalles con los que uno no queda muy conforme. Pero es un proceso largo. Me gusta pensar en los discos como en pequeños pasos que uno da en alguna dirección desconocida: como en la Capilla Sixtina, esas obras que demoraron muchos años en construirse, bajo sudor y trabajo y que se mantienen por siglos y ante las cuales las personas siguen sobrecogiéndose. Es una visión ambiciosa, pero si no pensara en mi música así, como un gran lienzo que se va pintando con los años, me aburriría.
 
¿Cómo se ha dado hasta el momento la difusión de tu trabajo?

La difusión es algo sobre lo que he ido aprendiendo con el tiempo… Yo no creo mucho en eso de lograr que tus canciones suenen en la radio y que te inviten a los programas de la televisión y aparezcas en las tapas de las revistas. ¿Para qué? Creo que muchas bandas se desgastan en un ejercicio ocioso e inepto de imaginarse rotando en las radios y la televisión en desmedro de lo que quieren decir con su música. Es muy fácil perder el foco. La gente todavía piensa que si no sales en la tele o la radio no eres nadie. Es lamentable, porque las bandas caen en lo mismo. Pero las cosas están cambiando y hay que despertar. No creo que a nosotros nos vayan a tocar mucho en la radio. Creo que lo han hecho en algunas, pero no nos desvela. Lo que realmente nos ocupa es hacer la mejor música que podamos hacer. Sorprendernos del sonido de nuestro disco, avanzar hacia algún lugar de manera creativa ¿Para qué te vas a quedar sentado esperando a sonar en la radio?

Estudiaste literatura inglesa ¿en que trabajas actualmente? ¿Como se inserta tu trabajo como músico en tu vida cotidiana?

Soy profesor de literatura y lengua inglesa en un colegio. Me gusta enseñar. Me gustan los libros y las buenas historias. Creo que divido mi tiempo en 50 y 50. Aunque mi mente siempre está en la música. Mis alumnos lo saben y han sido una gran ayuda. Aprendo mucho de ellos.

¿Te gustaría ser músico a tiempo completo?

Quién sabe, quizás echaría de menos enseñar. Es agotador ser profesor, pero trato de aprender lo más que pueda. Creo que la música permea todos los ámbitos de mi pequeña vida. Es difícil sacarme de ahí. Me levanto todos los días a las 6 am, salgo de mi casa a las 6.30 am y dentro de mí hay siempre una voz cantando o mascullando alguna idea. Vuelvo en la tarde, me cambio, descanso 15 minutos y después salgo a ensayar o escribo algo o desarrollo una idea del día anterior. Mi vida es bien aburrida. Quizás por eso estoy solo… pero no me molesta. Soy feliz.

Ser músico hoy en Chile, con las limitaciones que puede haber en términos de difusión o de real interés de la gente por comprar un disco o pagar por ir a un show… ¿cómo lo vives?

Lo vivo con esfuerzo, paciencia, honestidad y humildad. Ah, y mucho trabajo. Es un gran trabajo ser músico. Es una especie de apostolado. Y como tal, requieres de cierta entrega y fe que rayan en lo monástico. Yo en lo personal, siento que la música es lo único en mi vida que jamás podrán arrebatarme. Sería genial poder vivir de esto, pagar mis cuentas y comprar mi comida con el dinero generado por mi trabajo como músico. Pero no es así. La gente no compra muchos discos, pero sí compran. Quizás no van mucho a los shows, pero sí van. Los músicos tenemos mucha responsabilidad con el estado de cosas en Chile. Nadie se toma muy en serio esto, y si los músicos no se toman en serio, ¿cómo vamos a pedirle a la gente que lo haga? Imagínate, Chile debe ser el paraíso de las listas de invitados, del 2×1, del llamado 15 minutos antes del show diciéndote “ya po´ compadre, mira te llevo como 5 amigos, ¿Cómo me vai a cobrar 2 lucas por persona?” Creo sinceramente que hay que empezar a educar a la gente, especialmente a los músicos en ese tipo de cosas. Es un trabajo, no un carrete –excepto para la gente que va al show-, y el trabajo en cualquier parte del mundo se paga. Debería ser un proyecto de Estado, como la educación sexual o cualquier tema de interés nacional.

Imagino que están trabajando para un próximo disco, me puedes contar sobre eso…

Sí, estamos terminando de mezclar nuestro segundo disco (el tercero para mí) y estamos muy contentos con cómo está quedando. Siempre digo que siento que estamos un paso más cerca de convertirnos en la banda que queremos llegar a ser. Y en verdad lo creo. Siento que este disco es un gran paso en nuestra carrera y una puerta que se abre ante nosotros para explorar otros sonidos en los trabajos venideros.
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Pol es de los grandes descubrimientos musicales a los que por esas benditas casualidades accedí el año pasado a través de Myspace. Médico, argentino, compositor de hermosas canciones en las que mezcla guitarra acústica, ruiditos y loops con una voz dulce que se multiplica una y otra vez en las 11 canciones que dan forma a “Querés estar solo”, su disco debut.

Mientras lees puedes escuchar “No me quedo quieto”

Me llamo Pablo Jacobo, nací en una ciudad de la provincia de Entre Ríos que se llama La Paz y a los 18 años me vine a estudiar medicina a Rosario y desde entonces vivo acá. Recuerdo de muy pequeño haber asistido a una iglesia evangélica, era muy chica, quedaba en el campo. Ahí todos cantaban y la mayoría lo hacía muy bien, tengo algunas imágenes de mi abuelo que sobresalía bastante por su voz y creo que fue en esa época que identifiqué alguna emoción relacionada con cantar, es decir, me di cuenta que cantando podía reproducir esa sensación placentera de la que te cuento… supongo que ahí paso algo.

¿Y Luego?

Después mis viejos me mandaron a clases de piano, como a los 6 años, no tengo muy buenos recuerdos de eso aunque mi profesora era una mujer increíble, de todas formas lo que aprendí ahí me ha servido mucho. Otro momento decisivo fue a los 16, cuando decidí cambiar el piano por la guitarra para tomar clases con una vecina que me gustaba; justo en esa época mis amigos Mario y Leandro necesitaban una guitarra y una voz para una banda que estaban armando, ellos ya habían hecho algunas canciones y fue entonces que me di cuenta que podía componer, me acuerdo bastante bien de ese momento, de haber hecho la primer canción a esa edad.

Lo primero que me llamo la atención de tu música fue que estaba construida a partir de ruidos, de pequeños loops, de voces y trozos de audio… Esa “artesanía” del copy paste ¿de dónde viene? ¿Cómo te planteas al momento de enfrentar “musicalmente” una canción?

Pienso que mis canciones funcionan como una síntesis y mi trabajo es más que nada explorar mi propia capacidad de sintetizar, la información, las ideas, los datos que voy seleccionando y que van más allá de la música o la letra. Lo que sí me exijo es hacer todo esto siendo sincero conmigo mismo, entonces, si para una determinada idea creo que me va a servir más un ruido que un sonido más del mundo de lo musical, lo busco hasta que lo encuentro. O al revés: aparece un ruido o sonido y de ahí se dispara la idea. A veces descarto por completo un trabajo y ahí quedan pedazos de audio de los que surgen después ideas diferentes. En general no tengo una forma determinada de enfrentar las canciones.

Y las letras… hay cierta libertad en ellas, como que fueran muchas cosas y la vez una sola; quiero decir, son imágenes que se cruzan y de forma extraordinaria cobran sentido…

Con las letras ocurre algo parecido a lo que te explicaba antes, porque son parte de lo mismo. Sé que suena medio pretencioso, pero me gusta comparar las canciones (más que nada las canciones pop) con un organismo, es decir, pienso en ellas como si fueran un sistema físico organizado, pero que en vez de usar átomos o moléculas usan información común.  También está bueno eso que decís de que sean muchas cosas y la vez una sola, pues creo que el sonido, la música y las letras, pueden existir como formas de información aisladas que se transforman en algo completamente nuevo al momento de juntarlas… La música y el arte en general tienen esa capacidad de adquirir un  carácter y una individualidad a partir de elementos comunes y simples que cualquier ser humano puede entender.

“Querés estar solo” es tu primer trabajo como solista. Y me llama la atención el título del disco… sobre todo porque escucho las canciones y en ellas percibo sensaciones que no necesariamente me “encajan” con la idea de soledad. ¿Cómo es esa soledad a la que haces alusión en el título y cómo se conecta eso con el proceso de composición del disco?

La verdad es que pensé el concepto de soledad como algo muy ambiguo y poco concreto, pues creo que esa es la única forma de lograr explorar y redefinir algunas sensaciones o algunas imágenes. Pasa que por ahí hay muchas situaciones o imágenes que son muy ricas, pero que nosotros (ya sea por convención o por costumbre) vamos limitando a un registro fijo, entonces con una mínima descontextualización que puede ser el simple hecho de ponerlas en una canción se redefine todo y aparece un lugar diferente que te da un valor particular… “Canción para el frio” por ejemplo, habla de un lugar súper común, que es esa sensación de estar solo en una habitación y sentir que hay alguien más: entonces me propuse analizar ese sentimiento, ver que mas había ahí, pero no desde un lugar nostálgico ni nada de eso sino desde un análisis casi científico, como una disección de esa sensación o de esa idea de soledad y de todo lo que puede rodearla, o de todo lo que ella puede contener.

La canción “Accidentes”,  su letra me gusta mucho… podrías contarme desde donde nace.

Tenía esta idea, como una sensación, que era poder visualizar un montón de cosas que pasan comprimidas en fracciones diminutas de tiempo, había probado algunas cosas para una canción partiendo de ahí y bastante tiempo después, mirando un programa de televisión (un reality de policias que dan acá) salió la letra. Por otro lado ocurrió que un error en el seteo de un programa deformó por completo un sampleo de voces que tenía para una canción, cuando lo escuche me gusto más que lo que estaba haciendo intencionalmente y fue lo que quedó como base.

“Accidentes”

El disco ya tiene un buen rato desde su edición, cuéntame que satisfacciones te ha traído, sientes que ha llegado a los lugares que pensaste tenía que llegar, lo ha escuchado la gente que tu esperabas lo escuchara.

La verdad es que cuando saqué el disco no tenía mucha idea de qué hacer con él, no tenía un plan definido ni sabía cómo hacer para que se distribuya o para que le llegara a la gente, por eso creo que todo lo que paso está buenísimo. El disco llegó a personas y lugares que ni me imaginaba y me dio la posibilidad de tocar en varios sitios de Argentina y Uruguay junto a varios músicos que admiro… Claro que me quedaron varias cosas pendientes, como gestionar una buena distribución o editarlo en un marco que le diera mayor difusión, pero espero que eso se dé un poco más con el próximo.

¿Estas preparando un disco nuevo?

Así es, ya están las canciones y sólo falta empezar a grabar, va a salir seguro el año que viene.

Cuéntame sobre la escena en Rosario.

Aquí siempre están ocurriendo cosas interesantes. Aunque si de lugares para tocar se trata debo decirte que es muy difícil generar en ellos un clima en el que puedas desarrollar una idea. Lo que sí hay, y todos muy buenos, son colectivos de artistas, Cero, Ivan, Rosado, Planeta X , que este mes cumplió 15 años; ellos tienen un sello virtual al que podes entrar y descargarte casi todos los discos, ahí ya tenés un montón de trabajos buenísimos y hechos todos en forma independiente. También está Soy Mutante, un sello independiente un poco mas nuevo que justamente la semana que viene edita tres discos de los cuales uno es un proyecto paralelo de mushups que tengo con unos amigos y que se llama Mi Familia.

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El pianista de los eclécticos “Como Asesinar a Felipes”, editó hace pocos meses un hermoso disco titulado “Marcos Meza presenta: piezas para piano y cuarteto de cornos”. Una obra que puedes descargar gratuitamente desde la web y que en pocos minutos te atrapa y te transporta hasta paisajes de sutil melancolía. Sobre ese proceso de composición, su trabajo con “los Felipes” y cierta obsesión con la partitura y el lenguaje musical, conversamos con el talentoso “sub comandante Marcos”.

Mientras lees, puedes escuchar sumergido

Partí haciendo hip hop con una banda que se llamaba Trovadores Tales, como a los 14 o 15 años, el año 99. Con ellos hacía rimas pero también hartas bases, y ayudaba a otros cabros grabándolos y produciéndolos un poco. De ahí salieron las ganas de estudiar ingeniería en sonido, pero la idea se fue diluyendo y terminé decidiéndome por la música de frentón. A través de un amigo conocí a un profe que había estudiado en la Escuela Moderna y ese fue el nexo para entrar a la carrera. Me metí a estudiar composición, estuve un año y luego me desmotivé. Una sensación general que terminó afectando también lo que hacia en la escuela. Lo único que me salvaba, que me movía era tocar piano. Así que ese verano decidí meterme a un intensivo de piano, un año, lo pensé bien a corto plazo y lo hice. Estudié un año con Pablo Bruna y ahí como que me encaucé y finalmente me quedé, saqué la carrera de interprete en piano, di el examen y me titule.

Eres un profesional del piano…

(Risas) Claro… Y fue ahí en la escuela donde comenzó el proyecto de “los Felipes”. Conocí al baterista (Felipe Salas), con quien tocamos juntos en un ensamble y él me presento al Seba Muñoz y al Koala. Felipe siempre había querido armar un grupo, y fue él quien hizo de nexo para que nos reuniéramos. Un día armamos un ensayo y de ahí que no hemos parado. Siempre con la intención, desde un principio, de hacer hip hop instrumental.

¿Y la química entre ustedes fue inmediata?

Si, de una. En los primeros dos ensayos ya habían tres temas. Luego llegó el Dj (Spacio) y encajó al tiro. Yo estaba alucinado, porque de verdad era muy bakan tocar con ellos, tipos mayores que yo,  a los que admiraba y admiro mucho… Y claro, se me conectaron las dos cosas que más me gustaban: el piano y el hip hop.

Recuperaste el hip hop…

Si. Es que mientras estudié piano el instrumento me fue consumiendo. Había mucho que practicar y entonces dejé de componer y hacer rimas. Además que poco a poco me había ido dando cuenta que, a pesar de que rapear me gusta mucho, no me siento para nada cómodo haciéndolo sobre un escenario: me sobrepasa, me cansa, no sé, claramente no es lo mío… Pero con “los Felipes” retomé esa idea de los loops y las bases que tiene el hip hop, y eso me hizo sentido en el instrumento. Me acuerdo que cuando partimos ensayando yo estaba estudiando unas obras de Pedro Humberto Allende y entonces agarraba un pedazo y lo loopeaba y se lo mostraba a los cabros y era… “¡ohh! ¡La cagó!”. De verdad fue muy bonito ese proceso. Como que todo fue cobrando sentido mágicamente.

Y como dices tú “desde ahí no han parado”. Y con una repercusión súper importante…

Ha sido raro ese fenómeno. Porque hemos logrado armar harto público, pero jamás hemos tenido rotación en la radio. A la gente le gusta lo que hacemos, los críticos hablan bien de los discos, pero no sonamos masivamente y eso es curioso…  En verdad nosotros nos juntamos a hacer música  e intentamos no poner mayores expectativas en eso: hacemos lo que nos gusta, no nos encasillamos y creo que hemos logrado que la gente entienda, y valore, que no hay parámetros rígidos en nuestra propuesta. Lo que se nos ocurre lo hacemos.

El disco que hicieron junto a la Orquesta Sinfónica Juvenil, “Un disparo al centro”, da cuenta de eso. Cuéntame cómo fue ese proceso.

Tres o cuatro meses después que estuvo listo el primer disco, ya teníamos cinco temas nuevos de los cuales sólo tres tenían letra, y entonces sentimos que ahí había una obra completa, sin necesidad de agregar más. Y nació la idea de mezclarlo con música clásica. Justo nos llego un aporte de plata y dijimos hagámoslo. Partimos a  la Fundación de Orquesta Juveniles, nos conseguimos los teléfonos de algunos músicos, los comenzamos a contactar y nos lanzamos.  En el camino nos fuimos dando cuenta que el proyecto no era tan simple, había que hacer los arreglos (que finalmente hice yo), coordinar, conseguirse un estudio que permitiera meter a toda la gente que iba a tocar, etc. Finalmente todo fue saliendo.

¿Y con ese material también hicieron también un DVD?

Eso fue posterior, salió gracias a un Fondart que presentó el Seba y que al parecer tuvo acogida por la propuesta de mezclar lo docto y lo popular.

Imagino que esa grabación fue increíble, tenían el teatro lleno…

Sí, muy impresionante. Sobre todo porque te dabas cuenta que toda la gente conocía los temas, se los sabía… ahí es cuando yo pienso ¿cómo? si esto nunca ha sonado en la radio.

Ese es un tema al parecer… ¿Qué crees tú qué ocurre que no logran entrar?

De verdad no sé. Para cada lanzamiento se hace prensa, se envían comunicados, se le hacen llegar los discos a los periodistas, pero más allá de sonar en programas especiales, muy segmentados, no pasa mucho más.  Pero filo, uno no se puede detener o deprimir por eso. Nosotros somos muy de la idea que si no te dan el espacio, hay que armarlo, y empujar y empujar la música hasta que llegue a donde tiene que llegar.

Cuéntame cómo nace “Piezas para Piano y Cuarteto de Cornos”  (descarga el disco desde aquí)

Fue algo bien natural. Yo desde siempre he tenido metido el bichito de la orquestación, de los arreglos, y con “los Felipes” obviamente nos movemos en otro plano que tiene que ver más con el trabajo grupal y la sala de ensayo, así que ésta fue la oportunidad de hacerme cargo de una obra completa, de manejar todos sus elementos.

Pero cómo llegaste al formato, que no es muy común.

Después de hacer los arreglos para “Un disparo al centro” comencé a ir mucho a ensayos de orquestas; veía que estaban tocando, bajaba las partituras de internet y partía a escuchar con partitura en mano. Y fue ahí que me cautivó la sonoridad del cuarteto de cornos, la potencia, la profundidad de ese formato. Creo que es la única agrupación que sola te da una potencia realmente orquestal. Eso, sumado a mi interés por hacer pequeñas obras que se sostengan en si mismas, y que ya venía componiendo en el piano, me terminó dibujando la idea general.  Como te decía fue todo muy natural, no le di muchas vueltas. Compuse entre agosto y enero del 2009 y luego vino la pega de editar las partituras y grabar.

¿Cómo grabaste?

El piano lo grabe en una casa de pianos que hay en Gran Avenida. El dueño me tiene muy buena onda y él me facilitó el espacio y el instrumento. Fuimos con el sonidista de “los Felipes”, llevamos micrófonos, una Mbox y grabamos. Los cornos, que no eran cuatro sino dos, los grabamos en mi pieza, bien artesanal… La mezcla la hizo el Alex (Anwandter) con quien he trabajado haciendo arreglos para discos que él ha producido. Y así, él me hizo la pega gratis y finalmente, en una mañana, Carlos Barros lo masterizó en Triana.  En junio el disco estaba listo.

Me llamó la atención que junto con el disco uno puede descargar el libro con las partituras…

Es que eso da cuenta de una parte de la pega que me dejó agotado…

¿Cómo?

Porque una cosa fue componer, que se dio siempre como un trabajo bastante intuitivo y muy conectado con las emociones. Pero otra cosa fue escribir PARA los cornos…

¿El lenguaje?

Exacto. Tres o cuatro meses frente a la partitura intentando ponerme en el lugar del que la iba a leer. Cómo escribir tal o cual pasaje para que el intérprete realmente entendiera y tocara lo que yo quería. Un trabajo muy mental. Agotador. Y aún así, sé que lo que ahí está escrito todavía se lee como música popular. Es decir, un músico popular lo lee, se acomoda y lo saca adelante porque esa es su forma de enfrentar la música: “vamos pa´ adelante, hagamos que suene”. Pero los instrumentistas clásicos, generalmente se sientan, leen, tocan y se van. Y en esa dinámica si hay detalles o imprecisiones, ellos sólo ven errores.

Ven errores y no ven soluciones…

Más que eso,  sienten que encontrar soluciones no es parte de su pega, no les corresponde…  y en ese sentido uno como compositor siente mucha presión. Pero debo decir que le he ido tomando el gusto al trabajo de escritura, me gusta la partitura, leerla, entenderla.

Y entre esa dinámica y tocar con “los Felipes” ¿hay un abismo?

Claro. La pega de la que te hablo pasa por tener todo controlado, por manejar hasta el más mínimo detalle, cosa que obviamente no ocurre con “los Felipes”. A veces voy a un ensayo y escucho pifias y me pongo mañoso, pero de apoco estoy aprendiendo a convivir con eso, a separar y a identificar que son formas “de hacer” muy distintas.

No hay conflicto entonces…

Estuve en conflicto, a veces lo estoy, pero intento que las cosas se vayan ordenando, que tomen y ocupen el lugar que les corresponde. —— Fotos: Cristián Valdivia

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Instalado en Ámsterdam por tiempo indefinido, el músico habla sobre su decisión de partir de Chile pocos meses después de haber lanzado su primer disco… Sobre frustraciones, apellidos, pitutos y otras yerbas, conversamos vía mail y he aquí el resultado.

¿Qué pasó exactamente que de un día para otro, desapareciste de Chile?

Fue bien extraño todo, porque después de sacar mi disco y hacer algunos conciertos, que fue un largo proceso, repentinamente se concretó esta idea que desde hace un tiempo venía madurando: viajar y  ver qué pasa con mi música en otros lados.

¿Por qué Ámsterdam?

Es una ciudad cosmopolita, un sitio agradable, uno de mis mejores amigos, también músico, vive aquí…  Y la verdad sentía la necesidad de  alimentarme un poco de lo que está pasando en otros lados, estar más cerca de una cultura que me llama mucho la atención. ¿Sabes? ésta es una sociedad muy abierta, tu puedes hacer prácticamente lo que quieras siempre y cuando no le alteres la vida a los demás y eso es lo máximo. Además la ciudad es muy cool, con noches bien locas, se pasa muy bien.  Musicalmente, el mercado local no es muy grande, la música viene desde otros países y por tanto hay un flujo constante de artistas, propuestas más alternativas que siempre quise ver: LCD Soundsystem, The XX, Black Rebel Motorcycle Club Band, etc…

Imagino no debe haber sido fácil tomar la decisión, lo digo sobretodo pues tenías un proyecto musical armado, que ya estaba funcionando y comenzaba a rendir frutos…

Al principio fue bien doloroso pues tuve que separarme de mis compañeros de banda, Camilo y Felipe, con quienes llevábamos casi 3 años tocando. Habíamos logrado armar un engranaje de trío que funcionaba muy bien, con códigos propios y un sonido particular, ya no necesitábamos ensayar largos meses para hacer un show… Sin duda eso fue lo que más me dolió de partir. De todas formas creo que nada es tan definitivo, no sé cuánto tiempo esté por acá, pero en algún momento espero volver y retomar el trabajo incluyendo nuevos elementos creativos. Ojalá ellos tengan el tiempo y la disposición.

Pero entonces ¿no sientes que con este viaje dejaste algo trunco, inconcluso?

Siento que estoy retrocediendo un escalón para luego, gracias a esto,  avanzar varios más.

De todas formas en Chile debe haber cosas que no te estaban acomodando…

Todos sabemos que la escena musical en chile es complicada, hace falta más movimiento, por momentos aburre, y a veces son largos ratos ¿cachai? eso me da lata… ¡No se qué cresta! Está todo para hacerlo y sin embargo no resulta para muchos… Tampoco soy malagradecido,  creo que había logrado buenas cosas con mi música, iba en buen camino, pero todo funciona de manera demasiado lenta, es casi desesperante. Uno invierte diez  y recibe de vuelta dos.

¿Frustración?

Por supuesto que hay algo de frustración, como te decía: eso de trabajar tanto por algo y recibir de vuelta mucho menos de lo esperado, genera frustración, en cualquier cosa que uno haga… Pero no lo doy por algo perdido para nada, hay chances en Chile de lograr armar una vida siendo músico,  sólo que quizás ahora no es el momento,  mi momento. Puede ser que también me falte madurar mi música, o sea siempre, siempre tiene que madurar, es la idea…. pero aun así, me sorprende lo difícil y casi imposible que me fue por ejemplo meter una canción mía en la radio, que es el paso lógico después de lanzar un álbum… o sea, la gente encargada de eso ni siquiera se da el tiempo de escuchar lo que uno hace, tú les estás pidiendo 5 minutos de su tiempo para que escuchen un trabajo que te costo un año de tiempo y energía, pero nada, no existe esa consideración. Eso no habla de un medio muy serio. Yo de verdad traté de hacerlo por el conducto regular, nada de pitutos, y me fue imposible… Lo mismo cuando terminé disco y traté de concretar algunas entrevistas con sellos para ver si se interesaban en publicarlo: ¡no se dieron ni el tiempo de de escucharlo! Es impresionante, de base te niegan todo y uno se termina quedando con la sensación de ser un imbécil al que sólo le queda insistir  por teléfono. Es una locura ¿cómo quieres tener expectativas si es que la cosa funciona así?

Con un panorama así, uno puede entender la necesidad de mandarse a cambiar.

Es que el tanque de oxigeno se me estaba acabando, y la sensación en mi mente y mis pensamientos era bastante desagradable… Pero como Chile evoluciona constantemente, tengo la esperanza de que esos medios evolucionen también, y si no es así, espero  en el futuro encontrarme con la gente indicada… o quién sabe, quizás la tecnología termine salvando definitivamente a los músicos independientes, no sé.  Pero la verdad yo no me siento capaz, ni tampoco quiero hacerlo, eso de ser 100% independiente y por tanto tener que hacer de relacionador público, party boy, manager, fotógrafo, diseñador,  ingeniero de sonido, arreglador, showman, encargado de prensa, director de video clips, productor, etc.  Pues todo eso se necesita para tener éxito y por sobre todo para que la gente vea una propuesta de calidad. Es mucha energía y también harta plata de la cual obviamente yo no dispongo.

Mencionaste hace un rato lo de los “pitutos”, en ese sentido ¿cómo has manejado esto de ser “hijo de…”?

Debo confesarte que en un comienzo ese tema era un ají en el culo, hasta que me di cuenta que si nadaba a favor de la corriente, la situación se me hacía mucho más llevadera…  Es difícil saber si la atención que te presta un medio o la convocatoria de un show se genera por mi música o por  o por ser “el hijo de…”  pues nadie te habla muy abiertamente sobre eso. Pero  también me parece lógico que así sea, si nadie me conoce, este es un buen punto de conexión con la gente, como para partir.  Además la relación con mi padre es muy buena, nos llevamos muy bien, incluso leemos juntos algunas entrevistas y nos reímos harto de la situación.

Entonces te ha servido

Sí. Pero hay algo que igual me gustaría dejar bien claro: hay mucha gente cree que yo tengo todo en bandeja por ser “hijo de”, y eso ¡no es ni ha sido así!  Me ha costado mucho hacer todo lo que he hecho, mucho tiempo, mucha dedicación, mucho esfuerzo, y me empelota que algunas personas piensen que por ser quien soy estoy listo ¿cachai? Siento que cuando alguien piensa eso, se está pasando por el culo mi trabajo, mi pega… Soy igual que cualquier mortal tratando de sacar adelante su proyecto.

En Ámsterdam esto no debe ser tema…

Claro, de cierto modo aquí me he liberado un poco de eso aunque igual conozco chilenos que rápidamente me preguntan por mi padre pues relacionan el apellido, me tendría que ir a vivir a Islandia o a Vietnam para evitar completamente el nexo, y no es la idea. Para qué, estoy orgulloso de lo que me tocó.

¿Y cómo ha funcionado tú música por allá?

No quiero pecar de soberbio, pero me he llevado una sorpresa pues mi nivel musical está bastante más elevado que el del promedio de los músicos acá en Amsterdam, y eso ha sido muy gratificante como meta personal… es decir, mas allá de ser hijo de Eduardo Gatti y de las dificultades que pueda haber tenido en Chile, personalmente me siento muy bien con lo que he logrado musicalmente… me siento absolutamente preparado y tranquilo para hacer música en el primer mundo. Y esto habla muy bien de los músicos chilenos: estamos preparados, somos buenos en lo que hacemos.    ——   Fotos:  Pablo Montealegre.

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