Sebastián Barros, guitarrista de la banda Los Delis nos presenta su proyecto solista titulado “Camaleón de Pantano”, donde el indie rock se fusiona con el folk. En esta entrevista nos cuenta sobre como nacen sus canciones, su propuesta y todo lo que conlleva la autogestión de un disco.

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Cuéntanos como nace Camaleón de Pantano, de donde viene.

En el último tiempo se dio que comenzamos a vivir en la misma casa Luly (Julián Plaza) y Botón (Ricardo Herrera ), con quien llegamos a la idea de que debíamos grabar mis canciones y comenzamos a darle para delante, mientras avanzábamos íbamos desarrollando una idea que no tenía ni pies ni cabeza ya que varios de los temas del disco son de estilos distintos, nosotros estábamos fascinados con eso porque era muy aleatorio y siempre hemos escuchado discos ordenados.  Así fue como nació  Camaleón de Pantano y  la idea dar a conocer lo que para muchos es un desorden, nosotros rechazamos hacer las cosas solo porque tus papis te dicen que así es como tiene que ser o porque eso es lo “normal”, la normalidad la establecemos nosotros y punto.

¿Cuáles son las cosas que te motivan al momento de crear una canción?

Hay muchas cosas que me motivan y son tan diversas que mejor solo hablaré de algunas. Hacer música o cualquier arte es como ir al psicólogo porque sirve como terapia, es decir, las cosas que motivan son mayormente cuando uno se siente mal anímicamente o bien. Es como querer hablar con alguien. Las cosas feas y bellas me motivan mucho al igual que los malos y buenos sentimientos, las cosas que dan miedo me encantan y las que no dan también. En conclusión me motiva esa pelea constante entre el “si” y el “no”, ese ir y venir de dos polos que algunos piensan que son distintos pero quea mi parecer son lo mismo; últimamente me han llamado la atención las cosas que se conocen como feas.

¿De que se tratan las canciones que elegiste en el disco?

Algunas tratan de lo que muchos hablan, de cosas sentimentales como desamores o pensamientos propios como la tendencia de la gente es siempre estar con aquel que está bien o y cuando sale el sol la gente brilla más (extracto de letra de “No critiques lo que pienso”) es algo súper lógico que se puede ver  en la naturaleza y que se manifiesta en las relaciones personales de la misma forma, claro que hay excepciones, el punto es que no me interesa la gente que está con uno cuando está abrigado y no está cuando uno tiene frio, hay otra canción que habla de lo que uno quiere entender ya que está hecha con un inglés chamullao que no quiere decir nada; al mismo tiempo es una forma de decir: ¡Hey! date cuenta que las letras en español sí funcionan y pueden ser mejores que las letras en cualquier otro idioma.  La música chilena no tiene que envidiarle nada a nadie.

¿Que hay en la propuesta de que haya un personaje delante del autor?

Ese personaje en el disco se representa metafóricamente a través de una voz seca que aparece de repente y es como un susurro, es un personaje que no tiene vida física y que fue invitado a participar en el disco. No quiso aparecer en los créditos. Siempre he pensado que existe un personaje, una entidad que vive en mi mente, en realidad en la mente de todos pero muchos no se dan cuenta de ello, es aquella que nos permite lograr cosas, en verdad explicarlo es súper complejo, no sé si se entienda. Siento una irresponsabilidad al hablar de eso y que se pueda entender de cualquier forma; son cosas que las hablo en persona.

Viniendo de la Banda Los Delis, que te lleva a componer tus propias canciones.

Con Los Delis estamos haciendo un trabajo que ha sido realizado desde un principio de manera conjunta, es como una democracia y así elegimos entre todos lo que se hace y cómo se hace, Camaleón de Pantano sólo tiene que gustarme a mí, además yo me permito hacer lo que se me ocurra.

Cuéntanos del trabajo conjunto de autoproducción y autogestión.

Bueno, en casa hicimos todo lo que respecta al proyecto ya que vivimos todos juntos, con Botón grabamos el disco en su pieza y él lo produjo conmigo, Luly  hizo el diseño del arte del disco. También creamos un sello discográfico propio llamado Registro Móvil donde tenemos discos de Camaleón de Pantano a la venta hechos por nosotros mismos, los que se pueden pedir al correo camaleondepantano@gmail.com.

¿Que se viene ahora  en lo musical?

Lo que se viene es otro disco que será un tanto más rockero y menos popero en términos de composición, creo que ocuparemos más baterías a diferencia del primer disco.  Y también estamos buscando fechas para tocar este año.

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Para descargar el disco de manera gratuita puedes hacer click aquí.

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En este momento estoy dedicada completamente a la música. Estudio música en la Universidad Católica y tengo este proyecto junto a mi banda. Antes estudié Medicina China y aunque aún mantengo algo de contacto con eso, lamentablemente ya no es mucho el tiempo que le puedo dedicar.

Leí por ahí que llevas poco tiempo componiendo, que las canciones del disco son las primeras que hiciste y que fueron compuestas, arregladas y grabadas casi de inmediato…

Sí, es verdad que fue bastante rápido, pero yo en realidad no tenía conciencia de eso, porque estaba recién metiéndome en la música entonces no cachaba para nada como eran los tiempos en general. Lo hice así porque sentía que todas esas canciones que quedaron en el disco eran representativas de ese momento de mi vida y que al grabarlas, podía olvidarlas y pasar a otra cosa. Obviamente no es tan así porque uno las sigue tocando por mucho tiempo, pero no son una preocupación tan presente.

Podas y Brotes tiene un carácter bien melancólico, elemento que es común en harta música chilena… En tu música ¿de dónde crees que viene ese rasgo?

Claramente viene de mis experiencias, porque en realidad este disco es mi pura intimidad y debo decir que ese era mi estado de ánimo más preponderante hace algún tiempo.

Parece que a veces es más fácil componer desde la pena, o el dolor…

Creo que depende totalmente de la personalidad o el temperamento de quien compone. Hay gente que jamás va a hablar de su pena profunda en una canción, otras para quienes es su mayor motivación para escribir. No creo que haya algo más fácil, son sólo distintas disposiciones… En mi caso, se me hace muy natural hablar de mi dolor en las canciones, porque es un espacio libre y como encuentro que en la cotidianeidad no es tan fácil hablar de eso, lo canto.

Son largas tus canciones, por momentos las siento como un mantra, un viaje que poco a poco va agarrando vuelo… ¿Es consciente esto de componer en “larga duración”?

No, la verdad es que tuve cero consciencia de la duración al hacer las canciones. Cuando las hice me guié más que nada por lo que necesitaba decir y por el ritmo que intuitivamente me salió. De hecho hubo gente que me sugirió acortarlas para que fueran un poco más “radiales” o “comerciales”, pero me fue imposible acceder a eso. A veces pienso que la gente se puede aburrir de que sean tan largas, pero yo las escucho y me siguen gustando así.

Otra cosa que destaco en tu trabajo es la cotidianeidad de las letras, suenan simples pero a la vez bien profundas…

Las letras son una parte importantísima para mí, porque son el soporte sobre el cual compongo. Tengo que tener algo que decir para componer. A veces recojo extractos de cosas que he escrito anteriormente y las aumento o modifico. A veces salen de un tirón. Pero tengo un rollo con encontrar las palabras justas, como que no puedo cantar algo que no siento, entonces las palabras tienen que ser muy precisas. Esa es mi principal exigencia conmigo misma a la hora de hacer las letras: ser fiel a lo que de verdad quiero decir, nunca poner una palabra sólo porque rima.

En el disco lograste un sonido exquisito, muy acústico… ¿te lo propusiste desde siempre? ¿Qué papel jugó el ingeniero Juan Pablo Quezada (Prabha) en conseguir ese resultado?

El trabajo de Prabha fue el tremendo aporte. Yo tenía cierta idea del sonido que quería, pero evidentemente mi experiencia en grabación era nula, por lo que su participación fue fundamental. Se comprometió ene con el disco y le cachó la onda demasiado bien.

Los músicos con los que actualmente trabajas ¿son amigos? ¿De donde viene la conexión que tienes con ellos?

Nos conocimos cuando empecé a buscar gente para formar la banda. Al Pato Rojas (bajista) lo conocí por un amigo y él me presentó a todos los demás (Mauro López,  José Yañez y Francisco Vives). Ellos también fueron fundamentales en el proceso del disco, porque con ellos hice los arreglos. Son todos secos y en verdad creo que no podría tocar sin ellos.

¿Cómo te ha ido con el disco? ¿Qué feedback has tenido de la gente?

Me ha ido bien, he vendido bastantes discos. A la gente le gusta mucho la música, siempre estoy recibiendo buenos comentarios. Pero como igual el proyecto sigue a un nivel más under todavía, la venta es lenta y la difusión es difícil. A pesar de que han pasado el disco un par de veces en Radio Uno, me gustaría obviamente poder sonar en las radios más regularmente, porque eso ayuda mucho a la difusión. Pero no es tan fácil, así que hay que seguir con el trabajo perseverante de la autogestión.

¿Ya tienes material para un próximo disco? ¿Cómo viene la cosa?

Sí, estamos preparando cosas nuevas y están un poco más eclécticas. Tenemos desde un bolero con letra de mi abuelo, pasando por cosas más parecidas al disco anterior, hasta cosas de frentón más rockeras. No sé que va a pasar, quizás no todo ese material quede en un nuevo disco, pero por ahora lo estamos tocando en vivo y viendo como cuajan, porque igual los temas se demoran en llegar a su forma definitiva.

                                                                                                                                                                           foto: Juan Aguila
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Hoy finalmente me decidí a escuchar el disco “Instrucciones para desarmar el silencio” de Cristián Valdivia. Esta tarde fue uno esos momentos que había estado esperando para ponerlo de principio a fin. Una tarde con el cielo extremadamente gris y en la compañía de una lluvia leve que aleatoriamente brindaba una sensación de vida al paisaje estático y fúnebre que se presentaba a través de mi ventana.

Puedes escuchar “Deja” mientras lees

No quise dedicarle mi tiempo de mala manera al disco, ni menos escucharlo por saltos ni absorbido en alguna de las millones de distracciones que aparecen cuando espero concentrarme, de modo que me instalé junto a la estufa, prendí un cigarro, me preparé un café y me quedé en silencio con la música sonando.

Instrucciones para desarmar el silencio es un disco que realmente me gustó. Siento que cada elemento está perfectamente pulido en su medida justa, no existen palabras ni notas de más, no hay adornos pirotécnicos ni menos esa pretensión exagerada que encontramos en muchos músicos solistas. Incluso pareciese ser la música de un tipo muy reservado, de esos que se descueran lentamente en cada canción o que levantan la voz sólo para cantar.

A pesar que el álbum es bastante melancólico, tanto en la música como en las letras, siento a mi parecer que progresivamente nos impulsa a un viaje hacia un estado más parecido a la esperanza que a la nostalgia misma. Esto debido quizás a que en la medida que el disco avanza las canciones se llenan de timbres nuevos, voces secundarias que forman sutiles juegos vocales e incluso elementos rítmicos electrónicos que se incorporan de una manera acertada y muy coherente, creando así una dinámica general en el disco que nos mantiene alerta, sentados junto a la estufa, pero pasando poco a poco el frío.

Cristián Valdivia es un gran hallazgo para quienes admiramos a músicos de la talla de Nick Drake e incluso de genios como Leonard Cohen, pero que aceptamos además la inclusión de sonoridades modernas en la composición de las canciones. Un disco completamente recomendado para escuchar de principio a fin, ojala en invierno, en pantufla y con una cajetilla de cigarros.   (Puedes comprar la versión física o digital de este disco aquí.)

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