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Sin duda, hoy en día lo que más ansían aprender los jóvenes bajistas son técnicas tan llamativas como el Slap o el Tapping. Nada de malo hay en ello, pero antes de dejar de trabajar el “fingerstyle”, sería bueno cuestionarse si realmente se han agotado todas las opciones que ofrece. Y es que nuestra clásica técnica adquiere una faceta completamente diferente si se domina el recurso de las ghost notes, se vuelve rítmicamente tan intensa como el Slap, pero conserva el característico tono grave, redondo y cálido, que es por esencia la personalidad con que se suele asociar al bajo.

LAS GHOST NOTES
Tal como lo dice su nombre son “notas fantasmas”, notas que están pero no pueden “verse”, pues no poseen altura y por lo tanto no pueden llamarse La, Re, Sol, ni nada que se le parezca. Son sólo un sonido percusivo, seco, sin armónico o sustain que recibe el nombre de “ghost note”, independiente de la zona en la cual se halle nuestra mano en el diapasón al momento de ejecutarla. Estilísticamente, son  increíblemente transversales, se les puede hallar en el jazz, el funk, el soul, el rock, el latin, etc…en ese sentido no posee limitaciones. Mi exponente predilecto de esta técnica es Francis Rocco Prestia, el genial bajista de Tower of Power, quien ha hecho de las ghost notes su segundo nombre.

TÉCNICA
La forma de obtener una ghost note parece sencilla, basta con que la mano que generalmente digita notas en el diapasón se pose sobre una cuerda sin hacer presión hacia los trastes, simultáneamente, la otra mano pulsa la cuerda con sus dedos medio e índice y así en vez de sonar una nota se produce la ghost note. Y reitero, si bien parece simple hay ciertos detalles que la convierten en una técnica merecedora de una buena cuota de estudio.

EL ATAQUE
Si bien una ghost note no posee nota, debe ser tan audible y clara como las “notas normales”, porque si al momento de aplicarlas van a quedar sepultadas debajo de la batería y las guitarras ¿para qué hacerlas?. Es imperativo entonces entender que para que una ghost note se escuche al mismo nivel de una nota normal, la mano derecha debe pulsar la cuerda con aproximadamente el doble de fuerza. Esta mano debe acostumbrarse a doblar su ataque cuando venga una ghost note y normalizarlo cuando se trate de una nota normal, de lo contrario, se obtendrá un sonido sucio en las notas convencionales. Recomiendo que el punto de ataque de nuestros dedos índice y medio se sitúe más próximo del puente que del diapasón, pues en esta zona las cuerdas son más tensas y los dedos pueden incrementar su ataque sin perder control.

EL SILENCIAMIENTO
La mano del diapasón debe ocupar la mayor cantidad de dedos, y con su máxima superficie para enmudecer totalmente las cuerdas.  Aconsejo que los dedos adopten una posición plana con respecto a las cuerdas, para que cuando se hagan ghost notes, la mano derecha pueda encontrarlas en cualquiera de las cuerdas.

ECUALIZACIÓN
Experimenta con la ecualización de tu bajo y busca que frecuencias son las que más favorecen la claridad de las ghost notes. Las mezclas orientadas hacia las frecuencias medias y medias agudas tienden a favorecer la presencia de estas notas, no obstante, el tono que por naturaleza ofrece un bajo varía entre uno y otro, por lo que en esta materia es imposible dar una receta que se acomode a todos.

MUTED GROOVE
La lección de hoy consiste en una línea de inspiración soul que he creado y transcrito para que puedan aprenderla. Si bien mi objetivo es demostrar el uso de las ghost notes, mi meta principal es hacer buena música. Por ello, quise que también mi línea tuviese tiempo para “respirar” a través de los silencios. Todo abuso es malo, y de ello no queda exenta esta técnica. Nótese que en determinados momentos utilizo tripletas de ghost notes deslizándome por las cuerdas, creo que aquello demuestra cuan útil es hacer un silenciamiento con la mano izquierda que sea general y de dedos planos cuya superficie está en contacto con todas las cuerdas.

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Bueno amigos, espero hayan disfrutado esta lección. Nos vemos pronto en una nueva próxima edición.

P.D: Si sientes que esta lección es algo avanzada para ti, quizás quieras visitar mi blog y leer la lección sobre Fingefunk

(Francisco de Borja es bajista, compositor y docente. Para clases particulares visita www.bassborja.cl o escríbele directamente a contacto@bassborja.cl)

El slap es una técnica, no es un estilo. No obstante, con frecuencia recibo alumnos que me comentan que el slap no es para ellos una prioridad, pues no son muy adeptos a la música funk. Si bien me parece totalmente legítimo que alguien no simpatize con la técnica del slap, el argumento del “funk” para mi no tiene sentido, ¡Yo lo empleo constantemente con mi banda y no hacemos funk!

Pero tiene justificación…, Larry Graham inventó el slap haciendo funk, y por mucho tiempo su sonido percutido definió el estilo. El problema, es que incluso hoy, la mayoría del material pedagógico que existe sobre el slap está pensado en un contexto “funky”, por lo cual, no es de extrañar que cuando el bajista busque usar esta técnica en otros estilos, se encuentre falto de ideas, o “funkizando” una música cuyo propósito no era ese.

De allí mi motivación de subir esta lección sobre un bajo “Slap Rock”. La línea técnicamente no es difícil, y del video (con partitura incluída) se puede extraer bien el cómo y dónde se coloca cada nota, por eso quiero concentrarme en hablarles del ESTILO. El slap puede ser llevado a otro contexto si es que se entiende bien las claves que hacen funcionar un estilo musical, y si no, pregúntenle al bajista de Marc Anthony, quien no tiene mayor reparo en usar el slap y el popping en la salsa. Pues bien, a continuación describo algunos conceptos que tuve presente para hacer que mi línea de slap se adaptara al rock.

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EL RITMO

Sí hay algo que aporta el bajo por tradición en el rock es el peso, ese piso sólido sobre el cual las guitarras  distorsionadas pueden elaborar con libertad. Para crear ese efecto, el bajo debe mantener un patrón rítmico constante y parejo, en sintonía con la subdivisión rítmica que estéindicando la batería. En este caso, tratándose de un rock de intensidad media, la figura rítmica a seguir es la corchea. Es así, como me olvido de los ritmos sincopados del funk, basados en la semicorchea, y hago de la corchea la temática de mi bajo.

EVITAR LA OCTAVA

El 85% de los bajos Funk ocupan el juego de fundamental slap y octava pop, como el principal ingrediente en sus grooves. El problema, es que cuando se trata de hacer lo mismo con el rock, de inmediato empieza a oler a “funk-disco”. Este groove de rock, trata de mantenerse alejado de esa zona, y en las pocas ocasiones en que lo utilizé, fue o en los tiempo débiles de un compás para que no se notara, o describiendo parte de una escala menor natural, lo cual tiene muy poco de lenguaje funk.

USO DE LAS CUERDAS LIBRES

El sonido abierto y claro que dan las cuerdas libres es muy cotizado en los bajos de rock. Aquí tuve muy presente a uno de mis bajistas de rock favoritos, Gene Simmons, quien prácticamente no concibe construir un bajo que no involucre en algún momento dejar la cuerda vibrando en todo su largo.

Y el resto, es parte del saber en que contexto se está (tono, armonía implícita) y por supuesto, de la creatividad y el gusto personal. Espero hayan disfrutado esta lección, y sobre todo, que les sirva a aquellos que no lo han hecho aún, para que aborden al slap sólo como una técnica, a disposición de ser usada dentro de los límites que dictamine nuestra imaginación.

* Puedes revisar las clases que imparte Francisco de Borja haciendo click aquí

Una de las invenciones que más ha dado que hablar en el mundo del audio y la música el último tiempo, no solo por su llamativo diseño sino que también por su innovador funcionamiento.

Para esta ocasión decidí dejar una de las invenciones que más ha dado que hablar en el mundo del audio y la música el último tiempo, no solo por su llamativo diseño sino que también por su innovador funcionamiento. A pesar de que hace tiempo la tecnología táctil existe en productos como el Kaoss Pad de Korg, esta nueva tecnología lleva eso un paso más allá.

Estamos hablando del reacTable, un proyecto que nació en el MTG (Music Technology Group) de la universidad Pompeu Fabra en Barcelona, con Sergi Jordà a la cabeza hace ya un par de años. El equipo también es conformado por Marcos Alonso, Günter Geiger y Martin Kaltenbrunner. Hay 2 músicos invitados que son Carlos López, y para mi satisfactoria sorpresa, el Chileno Claudio Nervi (ex – Matahari) integrando las filas del Reactable en España.

Bien, sabemos el nombre, pero nos interesa que es y como funciona todo esto. El reacTable es a grandes rasgos una mesa redonda donde ponemos y manipulamos distintos objetos (llamados fiducials) creando sonidos y proyecciones simultáneamente a lo largo de ésta. ¿Cómo se logra? La mesa es de un material transparente y bajo ella hay oculta una cámara de video que registra los objetos que pongamos en la superficie, junto con un proyector que dependiendo de que función hayamos disparado nos muestra distintas visualizaciones.

Cada objeto representa algo distinto (efectos, filtros, muestras ó generador de funciones), y cada uno tiene una forma diferente y un diseño único con el fin que la cámara pueda reconocerlos correctamente. Estos objetos trabajan de manera modular, tal como lo haría un sintetizador antiguo (revisar edición de Junio donde se menciona el Modular Moog), o sea que los objetos son capaces de trabajar en conjunto y se pueden ir agregando módulos para lograr el sonido deseado.

Cuando la cámara reconoce la forma, esta es enviada a un software que transforma los datos en imágenes que son proyectadas de vuelta hacia la mesa y al mismo tiempo en sonido para poder escuchar lo que estamos haciendo.

Una de las grandes funcionalidades de esta mesa es la capacidad de poder ser usada por varias personas simultáneamente, pudiendo interactuar con los objetos de los demás y llegar a sonoridades cada vez más complejas. Incluso existe la opción de poder usarla remotamente entre 2 mesas, y por si fuera poco, ni siquiera tienen que estar en el mismo lugar físico, pueden estar en distintas partes del mundo; por ejemplo si estoy usando una mesa, el otro usuario al posar un objeto manda una proyección hacia mi reacTable, y aunque no puedo moverla físicamente de lugar puedo interactuar con ella, o sea, si el otro usuario gatilla un sample yo puedo verla y aplicarle un filtro modificando sus parámetros desde mi mesa en tiempo real.

Las proyecciones son parte fundamental del instrumento ya que es la retroalimentación que nos entrega el software permitiéndonos ver que esta sucediendo, como el comportamiento de la forma de onda o que objeto esta conectado con cual.

Cada fiducial tiene un “aura”, que nos permite modificar distintos parámetros con los dedos. Los secuenciadores (como el que se ve en la esquina inferior derecha de la foto), tienen un aura con varios rectángulos al estilo “pattern” que nos permiten seleccionar o deseleccionar con los dedos los pasos que queremos que suenen.

Los generadores (en el caso de la foto uno de onda sinusoidal), tiene un aura que nos permite variar su amplitud usando el dedo tal como si fuera un potenciómetro común y corriente, de la misma forma como podríamos variar el parámetro Wet/Dry si fuera un módulo de filtro.

También hay cambios si es que yo giro un objeto giro en su propio eje, si yo estoy usando un generador de onda cuadrada, al girarlo este va a variar su frecuencia dependiendo de cuanto lo mueva, y esto se va a ver reflejado en la proyección de la forma de onda que vemos en la mesa. De igual manera puedo usar el dedo para mutear una señal simplemente pasándole el dedo por encima a la proyección de la onda.

La proximidad también es un factor fundamental dentro del entorno en que se mueven los módulos ya que la distancia afecta directamente al comportamiento de cada una. Si tenemos dos objetos muy separados entre si no sucede nada pero si los aproximamos se va a generar una conexión, o lo que sucede también con los objetos redondos (p.ej un LFO) que afectan al objeto que esté mas cerca y la distancia con él modifica la intensidad del oscilador.

El software que usa la reacTable para reconocer los símbolos y sus movimientos se llama reacTIVision y está en la página oficial de reacTable disponible para descargar y utilizar gratuitamente, con sus fiducials respectivos para descargar e imprimir. Así que con una cámara web, el software, y los símbolos impresos, se puede tener una reacTable bastante precaria, pero funcional.

Según los mismos creadores del reacTable no está dentro de los objetivos hacer de éste un instrumento que se venda en serie masivamente, por lo menos el prototipo como fue pensado en un principio, pero si se está pensando a futuro en una versión mas compacta y económica que pueda ser adquirida por la gente.

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En Chile se tuvo la oportunidad de asistir a un concierto de Björk donde se vio como la banda utilizaba un reacTable construido especialmente, dándole la oportunidad a gente que ya lo conocía de verlo en vivo y en directo y a la que no, de maravillarse con este instrumento no solo debido a los abstractos sonidos que entrega sino que gracias al completo concepto que se puede llegar a crear sobre su superficie.